SEEIN PAST THE FUTURE Pollock-Krasner Foundation, New York

 

Curaduría de Shimon Attie, son 29 artistas que realizaron obras que fueron creadas antes del inicio de la pandemia. Muchas de ellas prefiguran de alguna manera la catástrofe que siguió.

se puede visitar la muestra

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Seeing Past the Future, an online exhibition of works by 2020 Pollock-Krasner Foundation grant recipients, will open on June 10. The project was conceived by Shimon Attie, the inaugural Charles C. Bergman Endowed Visiting Professor of Studio Art at Stony Brook University’s College of Arts and Sciences, in conjunction with the Pollock-Krasner House and Study Center.

The exhibition will comprise 50 works in a wide range of media, aesthetics, and conceptual strategies. There is also a balance between representational works and those that are more abstract in nature. All, however, were created before the pandemic’s inception. It may be tempting to conclude that many of them in some way prefigure the catastrophe that followed. Rather than deny this implication, Mr. Attie’s intention is to acknowledge and welcome the challenges it poses.

 

The digital exhibition will be hosted on the Pollock-Krasner House and Study Center and Pollock-Krasner Foundation websites:pkhouse.org and pkf.org.

 

In consultation with Norman L. Kleeblatt, a former curator at the Jewish Museum in New York, and with curatorial assistance from Talya Feldman, Mr. Attie has chosen a group of 29 artists who received Pollock-Krasner Foundation grants since the onset of the COVID-19 pandemic. Knowing firsthand the vulnerabilities and needs of living artists, Lee Krasner established the foundation to offer them vital assistance. Through the presentation of contemporary works by grant recipients, Mr. Attie hopes to underscore how Pollock and Krasner’s legacy remains vibrant and relevant and continues through the practice of numerous working artists today.

La exposición comprenderá 50 obras en una amplia gama de medios, estéticas y estrategias conceptuales. También existe un equilibrio entre las obras representativas y las de naturaleza más abstracta. Sin embargo, todos fueron creados antes del inicio de la pandemia. Puede ser tentador concluir que muchos de ellos prefiguran de alguna manera la catástrofe que siguió. En lugar de negar esta implicación, la intención del Sr. Attie es reconocer y dar la bienvenida a los desafíos que plantea.

La exposición digital se llevará a cabo en los sitios web de Pollock-Krasner House and Study Center y Pollock-Krasner Foundation: pkhouse.org y pkf.org.

En consulta con Norman L. Kleeblatt, ex curador del Museo Judío de Nueva York, y con la asistencia curatorial de Talya Feldman, el Sr. Attie eligió a un grupo de 29 artistas que recibieron subvenciones de la Fundación Pollock-Krasner desde el inicio del COVID. -19 pandemia. Conociendo de primera mano las vulnerabilidades y necesidades de los artistas vivos, Lee Krasner estableció la fundación para ofrecerles asistencia vital. A través de la presentación de obras contemporáneas por los beneficiarios de las subvenciones, el Sr. Attie espera subrayar cómo el legado de Pollock y Krasner sigue siendo vibrante y relevante y continúa a través de la práctica de numerosos artistas en activo en la actualidad.

 

«Estamos muy contentos de albergar esta, nuestra primera exposición virtual de arte contemporáneo», dijo Helen A. Harrison, directora de Eugene V. y Clare E. Thaw de Pollock-Krasner House and Study Center. «Nos permite rendir homenaje al apoyo de la Fundación Pollock-Krasner a artistas destacados a nivel internacional, llegar a una amplia audiencia y destacar el compromiso del museo de promover la creatividad en todas sus formas».

 

Ver más allá del futuro estará acompañado por un panel de discusión de Zoom el domingo 13 de junio a las 3 p.m. EDT, cuando el Sr. Attie y el Sr. Kleeblatt estarán acompañados por Jeanne Wolff-Bernstein, PhD, una distinguida psicoanalista con práctica en Viena, Austria, y la artista rumana Cătălina Nistor, cuyo trabajo está incluido en la exposición. Discutirán la exposición en relación con el concepto de sombra lateral, una teoría que nos recuerda que cada momento presente, cada evento, mayor y menor, es denso con una amplia variedad de futuros complejos y, a veces, contradictorios. El evento es gratis, pero se necesita registrarse.

Entrevista Periodico Los tiempos Suplemento de Cultura

Alejandra Alarcón: “‘Jugar a hacernos los muertos’ sublima el miedo a la muerte”

Cultura

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  Alarcón en su estudio, trabajando en una de sus obras. | CORTESÍA
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  Una de las recientes acuarelas pintadas por la artista. | CORTESÍA

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Claudia Eid Asbún

Publicado el 31/05/2020 a las 0h00

La Fundación Pollock-Krasner anunció el 15 de mayo que 121 artistas de 17 países fueron beneficiados con sus subvenciones anuales, proporcionando importantes recursos a creadores a nivel internacional. Una de las beneficiarias es la artista plástica Alejandra Alarcón, la cochabambina que actualmente vive en México y que constantemente representa al país por la calidad de su trabajo y la profundidad con la que cuestiona temas humanos. Entre los temas recurrentes de su obra está la identidad y su devenir, además del cuerpo y sus fluidos, la vida y la muerte, entre otros. En esta entrevista con Lecturas & Arte, Alarcón habla de este premio y sus continuos proyectos.

—¿Qué significa ser una de las ganadoras de la beca Pollock-Krasner?

—Creo que ganar un premio siempre es un gran honor, más aún cuando es internacional y de este prestigio. De alguna manera pone en un lugar a Bolivia y México como las patrias que me han dado cobijo en este camino. Significa la posibilidad de poder seguir y el reconocimiento a muchos años de trabajo en los que han estado implicadas muchas personas a mi alrededor.

—¿Qué incluye la beca y cómo piensa aprovecharla?

—La beca permite crear nuevos trabajos, comprar los materiales necesarios, pagar el alquiler del estudio, además de cubrir gastos personales y médicos, por un año. En mi caso, me permitirá continuar con el trabajo que he desarrollado en la serie El libro de las lágrimas, así como también poder experimentar y abrir otras líneas de trabajo.

—¿Cuándo comenzó el proyecto Muriendo en lugares importantes y cómo ha evolucionado?

—Muriendo en lugares importantes comenzó en 2017, es una serie de fotografías digitales, tomadas en el espacio exterior, en las que pretendo “morir”. Son tomadas en lugares emblemáticos de una ciudad, como catedrales, teatros, esculturas, edificios históricos, etc. Lugares también de consumo turístico, que tienen una carga cultural histórica y humana. Me interesa cuestionar la selfie como consumo de un lugar y como las personas que visitan espacios turísticos se toman una foto y la publican en las redes sociales, como prueba de haber estado ahí. También cuestionar la idea de lugares importantes ¿cuáles son?, ¿quién los define como importantes? y evidenciar al turismo, como una más de las herramientas del capitalismo, que los va vaciando de sentido y convirtiendo en lugares de consumo-selfie.

Todas las fotos las voy subiendo a una cuenta de Instagram que está creada para ello.

Con la pandemia, Muriendo en lugares importantes tomó otra dimensión muy poderosa, porque ahora realmente el espacio exterior sí tiene un peligro “de muerte”. Y todos estos lugares importantes de consumo turístico están vacíos. Es más, muchos están cerrados.

Entonces he realizado otra serie de fotografías, en la que llevo guantes de plástico y cubrebocas y estoy “muerta” en todos estos lugares importantes totalmente desolados.

“Jugar a hacernos los muertos” sublima el miedo a la muerte. Jugar a hacernos los muertos y morir donde nosotros elegimos nos permite sobrevivir frente a algo que no controlamos. Los humanos, como los animales, nos hacemos a los muertos para sobrevivir. Ahora el enemigo es real, es invisible y está afuera.

—¿Cuál de sus proyectos es el que más sorpresas le ha dado?

—Caperucita la más roja y El libro de la leche.

Caperucita porque fue el inicio lúdico, sincero, en el que encontré una forma de trabajar, de pensar y de crear, me ayudó a saber quién y cómo era. Con Caperucita, mi trabajo llegó a otros países. Conocí a personas que me apoyaron para poder seguir.

El libro de la leche fue también una parte (parto) aguas en la vida, porque con la maternidad yo pensaba y sentía (en ese primer momento) que ya no iba a poder crear, y esa serie me permitió poder entender todo lo que le estaba pasando a mi cuerpo y a mis nuevas identidades. También entendí que es imposible dejar de hacer. El libro de la leche me conectó con el profundo sentir de otras mujeres en la maternidad, en todos los sentimientos ambiguos que ésta tiene y que a veces no se pueden decir, porque son un tema tabú.

La maternidad me ha hecho infinitamente más eficiente y ordenada para trabajar.

Y a nivel conceptual, ha influido en toda una serie de reflexiones en torno al cuerpo, a los fluidos, al poder. A la autonomía, de nuestro cuerpo (útero, fluidos, sangre, leche) respecto a un sistema de poder que aún se expresa y materializa en controlarlo.

—¿En qué está trabajando actualmente?

—Estoy trabajando en dos proyectos uno que es una serie de acuarelas, que creo que llamaré El libro de los finales, y el otro que ya comenté en la pregunta sobre Muriendo en lugares importantes.

Empecé esta nueva serie de acuarelas en la cuarentena, planteando la desaparición de lo humano, y su vez la relación entre la muerte y la cultura. Trabajé a partir de dos elementos, la silla y los huesos humanos.

La silla como objeto, como símbolo del animal civilizado que se sienta, la silla como construcción cultural. Cada silla habla de un momento histórico, de un gusto, de una clase social, de una estética, de una vida, de un espacio, de alguien que descansó vivo o viva ahí. Cada silla tiene una carga cultural, histórica, socioeconómica. Todo esto frente a un hueso humano, a la muerte, a la fragmentación y desaparición.

Vivir o sobrevivir esta pandemia nos cuestiona inefablemente, sobre el lugar del hombre respecto a la naturaleza y al cosmos. La naturaleza, en su equilibrio, no tiene preferencias. Pensar en la inminente desaparición de lo humano nos sitúa en una nueva realidad. En la que tendremos que repensar nuestras acciones en torno a un todo, en el cual no somos el centro.

—¿Cree que el arte o las personas van a sufrir alguna transformación después de la pandemia?

—Definitivamente sí, creo que van a cambiar el arte y las personas. Es una gran oportunidad para cuestionar el mundo que hemos creado. Para cuestionarnos.

nota completa AQUÍ 

Pollock-Krasner Foundation Announces 2019-20 Grants

“From the beginning of Lee Krasner’s career to the planning of her legacy, she understood the importance of supporting professional artists,” said Ronald D. Spencer, Chairman and CEO of the Pollock-Krasner Foundation. “Thanks to her vision and generosity, the Foundation is proud to advance and highlight the work of our 2019-20 grant and award recipients. As communities around the world continue to navigate these unique and difficult times, the Foundation’s mission to foster the work and development of artists helps ensure they can continue to create new work.”

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