lunes, 9 de octubre de 2017

martes, 3 de octubre de 2017

Brindis desde las grietas: Diálogo con Alejandra Alarcón

Articulo realizado y publicado en: ANÁBASIS


Brindis desde las grietas: Diálogo con Alejandra Alarcón




Con: Luisa Deguile

Sería más o menos fácil decir de miradas angustiadas frente a las imágenes de Alejandra Alarcón. Pero esto implicaría haber caído sin más, digamos, en la trampa: Diríamos con ello mucho más de nosotros mismos que de las imágenes, y algo apenas, mas solo de refilón, de la relación que plantea.
Luz y color son sus claves. Fluyen, sin embargo, como sorbo dulce, de encanto particular, coronando la cita con esa parte de nosotros mismos que siempre supo de qué iba la realidad, desde los mismísimos cuentos infantiles, esos en que se ofrecen elixires y manzanas envenenadas.


Quien sirve luce claro el semblante. Y una sonrisa cordial, que no obstante, a la luz de sus trabajos, podría resultar en mordida. Enhorabuena.
Es un placer.

Siempre imágenes, en mi cerebro o en las que veo en la red, en películas, fotografías, etcétera.
Todos los días veo y hago tableros en Pinterest, Tumblr, Instagram, gran parte de lo que realizo después, sale de ahí. También construyo imágenes en el programa 3D de computadora Poser; este me permite visualizar cuerpos humanos y de animales, ponerlos en la posición que yo quiera o mover la cámara para ver desde distintos puntos; tales ejercicios me permiten, nuevamente, visualizar y dar con lo que estoy buscando.

Una cita previa, particular, contigo misma…

Sé qué imagen busco cuando la encuentro.
Cuando ya tengo la imagen hecha, dibujada, empieza recién mi trabajo racional o conceptual en que analizo qué hay en ella. Cuando encuentro la relación de mis imágenes con los conceptos teóricos continúa mi búsqueda, más hondo.

Alejandra, a través del espejo. Es la primera imagen, que tienta, la que plantea el primer internamiento. Más tarde, quienes contemplemos las imágenes, tendremos a mano, a lo mejor, reconocer algunos de los ecos de ese primer intercambio, sus ecos…

Todo el tiempo es un proceso de ir y venir, de la imagen a los conceptos y de los conceptos a la imagen.
Hay un orden a partir del inicio intuitivo. Cuando encuentro una línea de… investigación visual, trabajo con ella hasta agotarla. Es por eso que me dedico a hacer series. Hay obras que luego paso a otros formatos o medios como el vídeo o la fotografía, animaciones, instalaciones u objetos intervenidos.


La herramienta a través de la que hecha a volar la intuición, no obstante, parece de todos modos, única en su modo de hacer el color.

La base de mi pensamiento visual se da con el dibujo y la acuarela.

Trazos nada más, o signos, inconsciente pero directamente…

Un proceso de ambos, en diálogo…
Los últimos quince años, la acuarela ha sido mi principal medio – soporte. Por su naturaleza fluida; la humedad, lo orgánico. Me lleva a ir en constante cambio, un estado en que los límites no quedan definidos; el agua y el pigmento van construyendo un devenir de estados e identidades.


Lo que resulta igualmente cierto hacia afuera de la pintura.  A fin de cuentas, las historias no las pinta completas el narrador, a menudo la conexión entre este y quien las escucha alza vuelo dándole forma real a la imágenes a través de intercambios de miradas, incluso en los silencios intermedios; es así que se comparte el testimonio, por más que de ficción se trate; más aún si es así y se crea en el otro la experiencia.

Esta idea de fluidez también se expresa en los temas que abordo; mi obra gira en torno a la identidad femenina, el terreno limítrofe en el que esta parece una constante negociación con el otro, en el que existir no es algo dado e inamovible si no, más bien, cambiante.
Mi obra está impregnada de zonas indefinidas entre sujetos: género, trans – género, roles y arquetipos.

De ahí los matices, en el rojo, por ejemplo, predominante. Estos resbalan desde cada rasgo que podamos sentirnos tentados a definir por cuenta propia…


La acuarela es el medio idóneo porque me permite trabajar de manera sutil, transparente, diáfana todos estos temas que no necesariamente son… suaves.
Me interesa crear una relación seductora con el espectador, un en que la pintura sea atractiva, por sutil, pero se convierta en lo contrario, con la transmisión del mensaje.
Me gusta pensar la acuarela como un estado dionisíaco, de cambio, de latencia, en cierto modo es como la identidad que nunca termina de forjarse.

Desafío a partir de la cordialidad, apuntando a determinados lugares comunes, convertidos, apostada una mínima cuota de atención, en verdaderos puntos de encuentro, agudos. Sin obviar el encanto popular, ni lo reconocible y popular del auténtico encanto.
Finalmente, se da la confrontación. Un impacto…
Dibujo niñas que son niña pero al mismo tiempo pulpo, o lobos que están pariendo pero a la vez se están chupando la leche. En general son cuerpos que están saliendo de otros cuerpos y que yo represento a su vez como fluidos, lo que impide establecer límites entre un ser y el otro.


El fluido es continuo, así como lo dionisíaco es algo mojado que está escurriendo, que se está derramando, es totalmente contrario a lo apolíneo. Lo apolíneo separa y vendría a ser la línea del lápiz, mientras que la acuarela nunca divide.

En esta oposición, no obstante, radica otra fuente de violencia.
Presente, una y otra vez, el paso a otra cosa…
Mi producción artística ha estado ligada siempre a una búsqueda personal de ir encontrándome en ella.
Creo que la identidad es algo que se va construyendo momento a momento, el poder saber quienes somos es un asunto que se nos cuela de las manos cada instante. Mi obra trata de dar respuesta a este constante fluir en el que tratamos de entender qué somos, qué hacemos aquí y cómo nos relacionamos con el otro.

Y esto, a través de afirmaciones de corte sencillo. Para situaciones complejas. Estas, a su vez, se complican de veras en nuestras mentes, bien dispuestas para ello, caídos, desde luego, en la trampa.
Se me ocurre, un pacto, cierta complicidad. Deshechos los límites se da el pleno intercambio. Íntimo.
Hay mucha carnalidad…

Me interesa la relación con los fluidos corporales por que nos remite a un lado incontrolable, genuino de nuestra naturaleza. Como decía Rodrigo Rada en otro diálogo para Anábasis: “…el artista (…) se construye a sí mismo bajo la mirada de una alteridad, en este caso, de su propio trabajo.”

Lucha…


Sencillez, que no es lo mismo que simpleza; transparencia, claridad, luminosidad, suavidad. Para trabajar la Complejidad. La violencia.
Siendo este último más que un móvil, un medio inmenso, cabe preguntarse qué otros aspectos de la realidad entran en juego en la composición del vínculo comunicativo. Si bien esto depende en buena medida de quien contempla cada cuadro, también es cierto que brilla sin disimulo alguno una especie de línea, una grieta por la que se vierte tu pintura


Los matices del bien y el mal. Se trata de romper las ideas que tenemos asociadas a lo bueno y lo malo, como la maternidad idealizada, el amor sin dolor, la liberación sin pérdida, el control con protección… La ternura y la crueldad. El lado salvaje de lo humano.

Que es contradicción…
Y queda patente en poesía, videoclips, películas, teatro, música, filosofía, literatura, psicología, sociología.


Son varios los artistas con los que siento, dialoga, por eso mismo, mi trabajo; en distintos niveles, claro; con algunos el temático conceptual, y con otros el técnico, por ejemplo. Por nombrar algunos: Kiki Smith, Louise Bourgeois, Daehyun Kim, Walton Ford, James Jean, Sophie Jodoin, Henry Darger, Llaria Clari. Floria Gonzalez, Pablo Cotama y Rodrigo Rada, aparte de ser grandes artistas también son mis amigos.

¿Qué viene ahora?

El libro de la lecheEl libro de la sangre y El libro de las lágrimas. Tres series de obra en acuarela con las busco reflexionar sobre la construcción identitaria femenina marcada por tales fluidos.

Salud.

lunes, 4 de septiembre de 2017

Pacific Standard Time LA/LA: Video Art in Latin America Los Angeles California

opening September 17th  














Más de 60 obras de video arte de América Latina, muchas de las cuales nunca fueron vistas anteriormente en EE. UU., serán presentadas en una exhibición emblemática en LAXART del 16 de septiembre al 16 de diciembre de 2017 como parte de la iniciativa artística Pacific Standard Time: LA/LA de Getty que abarca toda la ciudad. Organizado por LAXART en colaboración con el Getty Research Institute (GRI), Video arte en América Latina contempla los innovadores logros e importantes tendencias temáticas en el video arte latinoamericano desde la década de 1960 hasta la actualidad.

“Hemos trabajado con cientos de artistas, curadores y académicos en más de una docena de países para trazar las narrativas históricas del campo”, dijo Glenn Phillips, jefe de Colecciones Modernas y Contemporáneas del Getty Research Institute y cocurador de la exhibición. “Muy pocas colecciones de museos e investigaciones en los Estados Unidos contienen trabajo en video de América Latina. A través de esta exhibición y de nuestra continua investigación, buscamos no solo exponer al público a un importante medio de expresión artística de América Latina, sino también proporcionar los recursos y el acceso para futuras investigaciones y becas”.

La exhibición forma parte de un proyecto de investigación del Getty Research Institute realizado por los curadores de la exhibición Glenn Phillips (GRI) y Elena Shtromberg (University de Utah) sobre los proyectos relacionados con el video arte en América Latina desde el 2004. Desde 2013, Shtromberg y Phillips han estado realizando extensas investigaciones en América Latina; han visitado a artistas, curadores y académicos y han organizado varias proyecciones públicas importantes.
 La aparición del video arte en América Latina está marcada por varios puntos de desarrollo escalonados en más de una docena de centros artísticos a lo largo de más de 25 años. Los primeros experimentos con el video en América Latina comenzaron en Argentina y Brasil en las décadas del sesenta y setenta, respectivamente. A finales de la década del setenta, los artistas de Colombia, México y Puerto Rico comenzaron a utilizar el video. Los artistas de Chile, Cuba y Uruguay que emprendieron el medio en la década de los ochenta, noventa y dos mil, y observaron los movimientos de video arte que surgieron en Ecuador, Guatemala y Costa Rica.

“A finales del siglo XX, los primeros equipos portátiles de video, en particular el Portapak, representaron un medio de comunicación descentralizado para expresar la voz de la oposición. En este momento, los artistas de video posicionaron el cuerpo como el lugar de expresión en contextos políticos traumáticos”, dijo la curadora Elena Shtromberg. “Los video artistas contemporáneos en América Latina continúan en la búsqueda de temas sociales, explorando ideas sobre género, identidad étnica y racial, como también las consecuencias de la desigualdad social, los desastres ecológicos y la violencia global”.
 En LAXART, ubicado en Hollywood, los visitantes se encontrarán con varias instalaciones inmersivas de video arte en el centro del espacio de la exhibición, así como tres galerías que presentan videos de un solo canal organizados en seis programas temáticos que incluyen: The Organic Line (La Línea Orgánica), Defiant Bodies (Cuerpos Desafiantes), States of Crisis (Estados de Crisis), Economías del Trabajo (Economies of Labor), Borders and Migrations (Fronteras y Migraciones), y Memory and Forgetting (Memoria y Olvido). Una característica importante de la exhibición es una biblioteca especialmente seleccionada que es contigua a los espacios de la galería. Esta biblioteca de acceso público funcionará como una sala de estudio para el Video in Latin American Art que ofrecerá decenas de libros sobre el tema, incluidos muchos libros que están fuera de circulación o, de lo contrario, difíciles de encontrar en los EE. UU.


Los artistas participantes son Pável Aguilar, Alejandra Alarcón, Sonia Andrade, Geraldo Anhaia Mello, Lucas Bambozzi, Angie Bonino, Javier Bosques, Patricia Bueno & Susana Torres, Javier Calvo, Gloria Camiruaga, Ulises Carrión, José Castrellón, Colectivo Zunga, Donna Conlon & Jonathan Harker, Analívia Cordeiro, Ximena Cuevas, Sandra De Berduccy, Alejandra Delgado, Gastón Duprat & Mariano Cohn, Juan Manuel Echavarría, Erika & Javier, Magdalena Fernández, Regina José Galindo, Adriana García Galán, Mario García Torres, Luis Gárciga, Anna Bella Geiger, Adela Goldbard, Gabriela Golder, Cao Guimarães & Rivane Neuenshwander, Karlo Andrei Ibarra, Mariana Jurado, Maria Laet, Jessica Lagunas, Diego Lama, Glenda León, Alejandro Leonhardt & Matias Rojas Valencia, Cinthia Marcelle, Luis Mata & Juan Carlos Portillo, Adrián Melis, Jason Mena, Joiri Minaya, Ronald Morán, Carlos Motta, Gisela Motta, Leandro Lima & Claudia Andujar, Oscar Muñoz, Charly Nijensohn, Clemente Padín, Patricio Palomeque, Leticia Parente, Antonio Paucar, Enrique Ramírez, Berna Reale, José Alejandro Restrepo, Miguel Angel Ríos, Alex Rivera, Lotty Rosenfeld, Nicolás Rupcich, Ernesto Salmerón, Martín Sastre, Regina Silveira, Carlos Trilnick, Unidad Pelota Cuadrada, Pola Weiss y Tatyana Zambrano. 







More than 60 works of video art from Latin America, many never before seen in the U.S., will be presented in a landmark exhibition at LAXART from September 17 through December 16, 2017 as part of the Getty’s city-wide art initiative Pacific Standard Time: LA/LA. Organized by LAXART in collaboration with the Getty Research Institute (GRI), Video Art in Latin America surveys groundbreaking achievements and important thematic tendencies in Latin American video art from the 1960s until today. 

“We have worked with hundreds of artists, curators, and scholars in more than a dozen countries to trace historical narratives of the field,” said Glenn Phillips, head of modern and contemporary collections at the Getty Research Institute and co-curator of the exhibition. “Very few museum and research collections in the United States contain video work from Latin America. Through this exhibition and our ongoing research, we seek not only to expose audiences to an important medium of artistic expression from Latin America, but also to provide resources and access for future research and scholarship.” 

The exhibition is part of an ongoing Getty Research Institute research project undertaken by the exhibition curators Glenn Phillips (GRI) and Elena Shtromberg (University of Utah) on projects related to video art in Latin America since 2004. Since 2013, Shtromberg and Phillips have been conducting extensive research in Latin America, visiting with artists, curators, and scholars and organizing several major public screenings.

The emergence of video art in Latin America is marked by staggered and multiple points of development across more than a dozen artistic centers over a period of more than 25 years. The earliest experiments with video in Latin America began in Argentina and Brazil in the 60s and 70s, respectively. In the late 1970s artists in Colombia, Mexico, and Puerto Rico began to use video. Artists in Chile, Cuba, and Uruguay took up the medium in the 1980s and the 1990s and 2000s saw video art movements emerging in Ecuador, Guatemala, and Costa Rica. 

“In the latter part of the 20th century, early portable video equipment, in particular the Portapak, represented a decentralized media outlet for voicing opposition. At this time, video artists positioned the body as the site of expression in traumatic political contexts,” said co- curator Elena Shtromberg. “Contemporary video artists in Latin America are continuing to pursue social themes, exploring ideas about gender, ethnic, and racial identity as well as the consequences of social inequality, ecological disasters and global violence.” 

At LAXART, in Hollywood, visitors will encounter several immersive video art installations in the center of the exhibition space as well as three galleries featuring single channel videos arranged in six thematic programs which include: The Organic Line; Defiant Bodies; States of Crisis; Economies of Labor; Borders and Migrations; Memory and Forgetting. An important feature of the exhibition is a specially curated library adjacent to the gallery spaces. This publicly accessible library will function as a Video in Latin American Art study room featuring dozens of books on the subject, including many books that are out-of-print or otherwise hard to find in the U.S.

Opening September 15, 2017, Pacific Standard Time: LA/LA is a far-reaching and ambitious exploration of Latin American and Latino art in dialogue with Los Angeles. Led by the Getty, Pacific Standard Time: LA/LA is the latest collaborative effort from arts institution across Southern California, featuring more than 70 exhibitions exploring wide-ranging aspects of Latin American and Latino arts and culture.

The Getty Research Institute is an operating program of the J. Paul Getty Trust. It serves education in the broadest sense by increasing knowledge and understanding about art and its history through advanced research. The Research Institute provides intellectual leadership through its research, exhibition, and publication programs and provides service to a wide range of scholars worldwide through residencies, fellowships, online resources, and a Research Library. Additional information is available at www.getty.edu.


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