Caperucita la más roja

DE TOT COR

2012-02-13T17:57:00.000-08:00

LO QUE QUEDA DEL DÍA A DÍA

2012-02-01T13:21:00.000-08:00

JUST MAD

2012-01-22T16:41:00.000-08:00

Muy pronto...

2011-12-29T04:14:00.001-08:00

Niterói Encontro com a América do Sul

2011-11-01T07:58:00.000-07:00

Cindirella Ending

Niteroi, Rio de Janeiro Brasil

Noviembre 2011
Museo Solar do Jambeiro

O Centro Cultural Simón I. Patiño de Santa Cruz de La Sierra, na Bolívia, trará para o Niterói Encontro com a América do Sul a exposição Cindirella Ending, da artista Alejandra Alarcón, que retrata através de aquarelas fortes o imaginário de alguns contos de fadas.

Cada acción y toda justificación artística promueve una mutación de términos que se ajustan a un imaginario. Bajo los conceptos freudianos y lacanianos, el imaginario o dimensión no-lingüística de la psique, deja signos perceptuales que conforman un espacio psíquico compuesto de imágenes provenientes de todos los sentidos y movimientos del otro. Es en esta atmosfera donde Cindirella Ending construye el carácter ficcional de sus obras que sucumben ante una colorida realidad que contextualiza su narración.

Los hechos imaginarios presentan, en esta exposición, múltiples apreciaciones de las formas, sonidos y colores con los cuales se construye un relato. Sin embargo, el marco en el que se movilizan los sucesos multiplica paradojalmente la performance de sus personajes. Es así como vemos a éstos protagonistas mostrar sangre, sexualidad, codicia e inocencia, componentes que incrementan nuestros signos perceptuales.

Cindirella Ending (parte de la trilogía)

Un par de personajes construyen un cuento perfecto, pero más de una docena, configuran una novela que se apodera de los espacios camuflando el quehacer del artista. Son fotos, acuarelas, videos y objetos que entregan vida a las personajes. Entonces quienes observamos estas obras admitimos, a cada instante, un suspicaz clímax, pero en ellas no conoceremos un final.

El verso centrípeto de Alejandra Alarcón y su Cindirella Ending converge ante la acción de un relato que parece cuento y novela al unísono.

Rodolfo Andaur

Curador

Dime que me quieres aunque sea verdad.

2011-10-04T12:41:00.000-07:00

Galeria Sicart
Barcelona España

Inauguración, sábado 8 de Octubre a las 13 horas..

Del 8 de Octubre al 13 de Noviembre de 2011.

Dime que me quieres aunque sea verdad

Arturo Aguiar, Alejandra Alarcón, Karlo André Ibarra, Lluis Barba, Cristina Calderón & José Luis Paulete, Nicola Costantino, Marta Espinach, Elena García Jiménez, Ivana Larrosa, Sofía López Mañán, Fernando Navarro Vejo, Lidó Rico, Paula Toto Blake, Santiago Ydáñez.

texto: Carolina Castro J.

Que me quieras implica también que me aceptes como soy, que quieras pasar tiempo conmigo, que queramos pasar tiempo juntos. Querernos implica la necesidad de compartir el uno con el otro en un espacio y un tiempo que a veces se vuelve infinito. Cuando te digo que te quiero, espero que me digas que me quieres también, cuando te pido que me digas que me quieres, es que tengo miedo de decírtelo yo y que tú no me quieras igual. Un Te quiero es una expresión que sólo tiene sentido en el momento que la pronunciamos y que trasmite una situación límite; Aquella en que el sujeto está suspendido en una relación especular con el otro.

Para que el sentimiento de amor exista en mí, es indispensable que haya otro. Si no hay otro con el quien yo pueda expresar mi querer, entonces no existe sentimiento alguno. El diálogo de afectos, el lenguaje de la verdad, el Te quiero, queda mudo, se anula, desaparece entre el mapa de mis sentimientos, embargándome en mis miedos y mis sueños no conseguidos. En la ausencia del otro, en su silencio, me veo impedido de sentir, y sin sentimientos no soy nadie, me vuelvo invisible.

Así como para el enamorado es indispensable la presencia del otro, del ser amado, las obras de arte requieren también de otro, el espectador, para trasmitir su mensaje. A modo de autocrítica y frente a la imposibilidad de comunicar a sus espectadores la intención de sus obras, la razón de su existencia, la Galeria Sicart presenta una exposición colectiva en que las obras yacen amontonadas en una esquina de la sala. Como el enamorado se arrincona ante la negación de amor del otro, las obras de estos quince artistas se arruman en reclamo de la atención y el querer de los visitantes ausentes de la galería. Esas obras piden a gritos un Te quiero para poder existir, pues si nadie las ve, si nadie las mira, es como si no estuvieran allí.

Sentir que el otro, espectador o ser amado, me necesita es la razón por la que existo, es lo que me hace como sujeto y como obra de arte ser verdad. Una verdad íntima que se comparte, una verdad personal que se vuelve colectiva, una verdad relativa que se vuelve absoluta en presencia del otro.

En la presente exposición las obras, aunque ausentes, contienen diferentes historias en las que los artistas diagraman sus relaciones afectivas. La complejidad de las relaciones humanas se va cartografiando por diferentes áreas que van desde el subjetivismo de los sentimientos íntimos, pasando por los afectos familiares y hasta los sentimientos que construyen nuestra identidad dentro de la sociedad en que vivimos.

“Narcisa” es un autorretrato de Nicola Costantino que forma parte del conjunto de reinterpretaciones de otras obras en que ella siempre ocupa el lugar del otro y el de ella misma, narrando específicamente a través del mito de Narciso el egoísmo del amor propio. En contraposición encontramos la obra de Lidó Rico, en que el cuerpo, más que un objeto de deseo es un instrumento y una prisión, sus esculturas muestran el reconocimiento de nuestras propias limitaciones autoimpuestas como punto de partida en la búsqueda entrañable de una sorpresa, de algo inesperado que de sentido a nuestra existencia. En la acuarela que presenta Alejandra Alarcón “Amorte” el afecto, el querer es depositado en los hijos como proyección del amor. En la imagen ocurre un acto de antropofagia paternal, el niño está siendo devorado por su padre. La familia cobra un rol protagónico cuando hablamos de afectos, los hijos son el símbolo del amor incondicional que supera cualquier otra brecha en el terreno de los sentimientos. Marta Espinach ha creado unas maquetas donde se muestra la relación entre padres e hijos en la etapa en que los cuentos infantiles se vuelven protagonistas del día a día. Por medio de dos casas completamente empalizadas la artista da señas de elementos como protección, contención, espacio íntimo y cuidados que son indispensables en el círculo familiar. En el mismo lugar de la relación con los hijos están los dibujos de Cristina Calderón y José Luis Paulete un niño, su hijo, que intenta subirse sobre la mesa con ayuda de una silla y hasta que se sube solo. Un proceso de aprendizaje de cual sus padres se sienten orgullosos y que muestra, nuevamente, la incondicionalidad de ese amor fraternal.

Pasando al territorio de las relaciones de nuestros propios sentimientos frente al mundo que nos rodea está la obra de Ivana Larrosa “Ausencia”, fotografías que relatan, a través del poema de Borges, la necesidad de protección. En las imágenes la artista borra la imagen del otro haciendo aun más notoria su falta, pero conserva un elemento, la mano protectora, la que cuida ese espacio familiar, la que la cuida a ella y la hace sentir segura. Con la misma propuesta pero expresada a través del formato pictórico, Santiago Ydañez, hace también referencia a la protección. En la imagen hay un bebé que es acariciado por alguien en la cabeza, pero de ese alguien solo vemos su mano. Podría ser que esa mano simbolice, como en las fotos de Larrosa, al que ya no está, pero en cuyo recuerdo nos apoyamos para seguir adelante.

El decir te quiero está casi siempre relacionado a un espacio privado y de mucha reserva, pero como seres humanos nos enfrentamos a un mundo que nos bombardea de mensajes de guerra, desamor, dolor, vacío, etc. Reaccionamos frente a estos de diferentes maneras, siempre buscando un lugar afectivo desde donde sacar las fuerzas. En las fotografías deSofía López Mañán hay una búsqueda que muestra la dificultad de enfrentarse, en espacios ajenos y cotidianos, a la ausencia del ser amado. Un cuerpo que se sitúa como protagonista en medio de plazas, edificios, etc. buscando transformarlos en espacios de ensoñación, memoria y aproximación.

Aún más fuera del espacio íntimo y ya abandonando por completo el cuerpo, Fernando Navarro Vejo crea la palabra “CREE” escrita con PVC. La palabra pasa a ser una sentencia abrumadora. Una declaración personal donde él es el que cree y nos invita a nosotros a creer también. Una enunciación precisa y que mantiene su significado abierto a toda interpretación, poniéndonos en el abismo de nuestras creencias, cuestionando la capacidad de creer en nosotros mismos y en otros. También en el terreno de las propias dudas y las certezas, Paula Toto Blake desestabiliza el mundo conocido a través de estas “Mascotas” con apariencia extraña, que generan un sentimiento de desprecio, repulsión y distancia hacia esa figura que habitualmente tenemos por familiar.

El mundo conocido y lo que nos queda por descubrir. Los padres y las personas mayores han jugado siempre un rol fundamental en la formación de las nuevas generaciones, aunque esa figura ha sido desplazada en cierta medida por las nuevas tecnologías. Arturo Aguiar nos presenta “El mundo”, una fotografía que hace referencia al aprendizaje, en que una mujer mayor le muestra el mundo a través de un globo terráqueo a una mujer más joven. Elena García Jimenez, reflexiona también sobre el aprendizaje mediante un objeto de conocimiento. Invierte el papel del diccionario haciendo que pase de ser una fuente de referencia de conocimiento y respuestas, a una fuente de cuestionamientos e incertidumbre. La dislocación de sus textos y la descontextualización de los términos gramaticales que encabezan las dos páginas de este libro objeto, anulan su función.

El contenido político no queda fuera de las cuestiones que atañen a los afectos. El “Mapa de Carne” de Karlo André Ibarra indaga en la profundidad de su identidad Puertorriqueña cuestionando la ubicuidad territorial de su país perteneciente a las dos américas, el continente Americano y el territorio de Estados Unidos. Lo privado se vuelve un asunto político, reclamando el derecho de pertenencia que también reclama el enamorado, sentirse querido, sentirse parte de un territorio o de la vida de otro. En la obra de Luis Barba ese otro es el desfavorecido, la pobreza frente a la ostentosidad y el glamour de los ricos. “Viajeros en el tiempo” traduce las relaciones y necesidades afectivas al terreno político haciendo una crítica al sistema y abogando en defensa de las clases sociales más necesitadas.

Dime que me quieres aunque sea verdad busca recorrer el complejo mapa de las relaciones afectivas pasando por los territorios más inverosímiles, desde lo profundo de nuestros sentimientos individuales y nuestros conflictos existenciales hasta los asuntos políticos cotidianos que afectan a nuestro entorno. Esta exposición abre un ciclo, después de once años de actividad, en que la Galeria Sicart necesita hacerse algunas preguntas. El espacio con sus paredes en blanco demuestra la devaluación de una tradición que fuera también una necesidad, la de tener artistas, obras, un mercado, un público y afectos que dieran valor, que hicieran verdad su presencia en la ciudad y en el mundo.

GALERIA SICART

Barcelona España

Pantocrátor gallery / Shanghai

2011-09-14T11:59:00.000-07:00

Women's lines

2nd-30th september. Opening friday 2nd at 18 h

Lore Vanelslande (Belgium - China)

Sonia Carballo "Socatoba" (Spain)

Carmen Garcia Huerta (Spain)

Stephanie Costello (New York)

Patsy McArthur (Scotland)

Freya Douglas-Morris (UK)

Marta Blasco (Spain)

Alejandra Alarcón (Bolivia)

Alejandra Alarcòn

Sonia Carballo ‘Socatoba’

Carmen Garcia Huerta

Stephanie Costello

Pristine, delicate, silky soft, are the fingers of the women hands when caresses the skin of paper, ready to be drawn. Hands that draws their expressions, to fallow their paths of senses to let them be manifested on the texture of feelings, moments, dimensions, spaces, or just characters, hidden to be shown, called to give, created to live, now breathing in this special draws exhibitions.

This is "Women's Lines" the given name of the first Pantocrator's Gallery show in Shanghai, presenting eight women art works from different hemispheres of the world in a conjunction of talents, spread it on a cosmos of draws that let us feel the unpredictable, very unique sensations inside this eight women's hearts and lives from China, Colombia, Bolivia, Belgium, Scotland, Spain, USA and UK.

The recognition of this eight talented emerging artists, that Pantocrator Gallery just bring to Shanghai, give us an interesting variety of drawing techniques form the very tenderness and also the deep strength of this women that invites us to discover them, in a universe of lines, dots, ink spots, scratches and smudges in this sensational "Women's Lines" show.

La Monodigital
Arte por Excelencias
SH. Asia

Libro Vacaciones Permanentes Liliana Colanzi

2011-09-13T06:40:00.000-07:00

Feria de Arte Contemporàneo Ch.ACO Santiago CHILE

2011-09-08T05:56:00.001-07:00

Museo Nacional de Arte la Acuarela en Bolivia

2011-08-31T07:52:00.000-07:00

Prensa: Bolivia en tus manos
Opinion

Proyecciones del cuerpo femenino.

2011-08-22T10:48:00.001-07:00

Centro de Arte Contemporáneo

Quito Ecuador

6 de agosto

Artistas Participantes:

Alejandra Alarcón
Colectivo La Dupla (Paulina León y Dolores Ortíz)
Gabriela Santander
Jenny Jaramillo
Karina Cortez
Lorena Serrano
María José Machado
María del Cármen Oleas
Natascha de Cortillas
Saskia Calderón
Valeria Andrade
Vanessa Padilla
Veronica Meloni
Karla Torres
Cristina Díaz

ECUADOR, ARGENTINA, BOLIVIA Y CHILE

Curaduría: Eduardo Carrera

En la historia del arte, el imaginario del cuerpo femenino ha sido tradicionalmente atravesado por la mirada masculina, que ha ubicado a la mujer en el papel de la musa y del sujeto inspirador, ya sea como una figura materna o como el objeto del deseo.

En el arte contemporáneo, la presencia de la mirada femenina activó la discusión sobre el lugar del cuerpo e identidad, en la escena de la representación artística, incorporando l...o cotidiano, lo terrenal y el espacio íntimo y personal, como recursos y formas de fragmentar, más aún, la división existente entre lo tocable e intocable de una imagen o un objeto. Es así que el termino “mujer” se expande para dar como resultado una multiplicidad de identidades que han dejado de ser categorías inmutables, para transformarse en construcciones.

En la Muestra “Proyecciones del Cuerpo Femenino”, podremos imaginar las particularidades de un ejército de artistas mujeres que, durante sus procesos creativos, han decidido utlizar sus cuerpos, sus identidades, sus deseos y nostalgias, como soporte para su producción. De esta forma, el objeto artístico deja de ser el objetivo del arte, hecho que se traduce en ventaja y recurso de innovación, para proponer una nueva representación del ser humano.

Las historias y conceptos que sustentan cada una de las piezas seleccionadas, ubican a través del video, un momento en el que lo femenino da lugar a la desestablización entre sujeto, identidad y poder, en una sociedad donde el cuerpo se ve sometido a comportamientos disciplinados, los cuales recurrren a técnicas y procedimientos para formar individuos.

La muestra de video-performance se exhibirá en el Centro de Arte Contemporáneo de Quito, el sábado 6 de agosto de 2011, a las 19h00.

Prensa : Noticias Quito
Gran Comunidad Ecuador

Casa Descalza

2011-08-10T13:40:00.000-07:00

Intervención Urbana
Ponta Delgada, Azores Portugal

Taller de Video Arte en Ponta Delgada Portugal

2011-07-30T08:36:00.000-07:00

OFICINA DE VÍDEO-ARTE
com Alejandra Alárcon (Bolívia) De 1 a 7 de agosto
Duração: 30 horas
Preço: 50 euros

Fundamentação

As novas tecnologias actualmente são parte essencial na produção da arte contemporânea. As novas linguagens tecnológicas acompanham os criadores na produção de obras visuais e imagem em movimento. É por isso que os artistas visuais contemporâneos não podem ficar para trás no que toca ao conhecimento e aplicação das ferramentas que a tecnologia põe ao nosso alcance. O principal objectivo desta oficina é por ao alcance de artistas, desenhadores, cineastas e demais criadores, as ferramentas necessárias para estar a par do que o mundo actual exige.

Objectivos

·   Conhecer os conceitos teóricos básicos de videoarte.
·   Desenvolver a técnica para o manejo do programa de edição de vídeo Final Cut e/ou Adobe Premier.
·   Realizar uma peça de videoarte.

Metodologia

O atelier está dividido em 3 partes:

-Uma teórica na qual se fará uma breve revisão de trabalhos da história do videoarte, para desenvolver os conceitos básicos do videoarte com exemplos.
-A segunda parte será técnica prática. Trabalho com programas de edição Final Cut e Adobe Premiere assim como de registo e captura de vídeo.
-A terceira parte será de produção. Desenvolvimento de projectos individuais ou colectivos. Registo do material seja gravado em vídeo pelo formando ou com recurso a material já existente.

Posteriormente trabalhar-se-á os programas de edição

Feria de Arte Contemporàneo Santander

2011-07-30T08:15:00.000-07:00

Prensa: International Art Neutre

El Diario Montanes I

El Diario Montanes II

El Diario Montanes III

El Diario Montanes IV

Parets

Cantabria

Aqui confidencial. es
La Informaciòn

Presentación del libro

2011-07-30T08:04:00.000-07:00

PRESENTACIÓN LIBRO ALEJANDRA ALARCÓN

ARTESANTANDER

STAND NÚM. 39

JUEVES, 21 DE JULIO DE 2011, A LAS 7 DE LA TARDE.

Presentado por CAROLINA ARIZA,

investigadora en el Centre Pompidou para la actualización de artistas de America Latina

Con la presencia de la artista.

Se puede descargar el libro aquì

Exposicion Domèstico Centro Simon I Patiño Santa Cruz

2011-07-29T17:55:00.000-07:00

Artìculo de Menene Gras en ART.ES

2011-07-13T08:24:00.000-07:00

ESTRATEGIAS DE RESISTENCIA -

Artículo de Menene Gras en ART.ES

Galería-estudio-residencia de / Gallery-Studio-Residency of Alejandra Alarcón (Bolivia),

galería Sicart, 30 abril / April – 21 junio / June 2011.

No es sólo la situación del mercado del arte local y global la que hace pensar en nuevas maneras de ver el oficio de galerista y la relación de éste con el artista, sino que, ante la pérdida de eficacia de ciertos hábitos relacionados con la práctica del galerismo convencional, se ha empezado a promover la necesidad de consensuar alternativas que permitan adaptar a los tiempos actuales aquello a lo que parecíamos estar acostumbrados.

No es muy habitual hablar de agentes del mercado del arte como los galeristas, pero en ocasiones por qué no hacerlo, cuando informar sobre ciertos comportamientos o actividades puede alterar la percepción que se tiene de sus posibilidades. Ramon Sicart, desde su espacio expositivo de Vilafranca del Penedès (Barcelona, España), aboga por una búsqueda de opciones que permitan continuar creyendo en la vigencia del galerismo y del galerista como intermediario que facilita la visibilidad de la producción artística contemporánea, gestionando, además, recursos para la producción y la promoción. No es un “periférico”, pero defiende voluntariamente las periferias antes que las tendencias aprobadas por los agentes del sistema del arte más oficialista. Tampoco teme cuestionar el oficio o la vocación de galerista y tener que concluir la necesidad de replantearse sus objetivos convirtiendo la galería en espacio “alternativo”, como resultado de una reflexión crítica tras una década de experiencia en el oficio. Llamo estrategias de resistencia a prácticas que desde la galería se pueden hacer, se han hecho y se siguen haciendo, injustamente omitidas, con el fin de plantear tanto opciones viables como de ampliar la oferta, mediante la puesta en práctica de programas especiales que justifican el rechazo a la mera exposición de obra, prefiriendo trabajar con los propios artistas y hacerles partícipes del proyecto en líneas generales. Sicart ha elegido esta opción en un contexto de aislamiento y de precariedad, tratando de superar las limitaciones inherentes a la ubicación periférica y a las dificultades que a menudo ponen en entredicho la legitimidad de la galería. Galería-estudio-residencia de / Gallery-Studio-Residency of Alejandra Alarcón (Bolivia), galería Sicart (Vilafranca del Penedés, Barcelona, España / Spain), 30 abril / April – 21 junio / June 2011.

La galería Sicart se fundó en el año 2000 y dispone de dos espacios de 125 m2 y 25m2 en los que se han ido sucediendo las exposiciones, hasta que recientemente, en la primera mitad de este año, se han puesto en práctica los dos primeros proyectos de lo que se ha denominado “Galería-Estudio-Residencia”. Se trata de un programa diseñado para dar cabida a proyectos de artistas que deben realizar la obra durante su estancia en Barcelona y en el espacio de la galería, que durante el tiempo convenido deja de funcionar como tal para ser un espacio de producción.

El primero ha sido el proyecto de Patricio Gil Flood (Argentina) y Paulina Silva Hauyon (Chile), cuyas instalaciones se expusieron entre el 5 de marzo y el 16 de abril, y de las que la galería ha hecho adquisición para su colección. Y el segundo, el de Alejandra Alarcón (Bolivia), que realizó y presentó sus sorprendentes acuarelas de gran formato entre el 30 de abril y el 21 de junio. Durante su estancia en Barcelona, consiguió una importante proyección pública gracias a la mediación del galerista y a su propio trabajo, donde defiende la vigencia de la pintura y del dibujo para crear un mundo onírico y literario. Galería-estudio-residencia de / Gallery-Studio-Residency of Alejandra Alarcón (Bolivia), galería Sicart (Vilafranca del Penedés, Barcelona, España / Spain), 30 abril / April – 21 junio / June 2011 Tanto en uno como en otro caso, la galería se ha hecho cargo de los viajes, la estancia y los materiales necesarios para la producción de obra.

La experiencia para el galerista ha sido de sumo interés, tanto para él mismo como para el público, que ha podido entrar en contacto con los artistas y con el proceso de producción de la obra. Existían algunos precedentes en la galería de este tipo de acciones, pero hasta ahora no habían formado parte de un programa propio y definido por su carácter esporádico. Lo que se persigue es potenciar una propuesta que amplía los usos de un espacio expositivo privado. No obstante, este galerista de la periferia, como a veces repite de sí mismo irónicamente, ha conseguido internacionalizar su galería gracias también a otro programa, Perspectivas Latinoamericanas, que se ha ido consolidando con su selección de artistas y por su reiterada presencia en ferias como Arte Lisboa, Art Frankfurt, Diva (N. York), Scope (N. York), Pinta (Londres y N. York), Chaco (Chile), Artbo (Colombia), Photo Miami, Buenos Aires Photo y ArteBA de Buenos Aires (por no hablar de las españolas como Swab ,Barcelona, Just Mad ,Madrid, o Arte Santander). De hecho, se ha especializado más que ningún otro galerista de España en arte latinoamericano contemporáneo, descu briendo a los artistas más jóvenes e invirtiendo la mayor parte de sus recursos en la promoción de sus trabajos. Esto no puede pasar por alto, en la medida en que actualmente el número de artistas latinoamericanos con los que trabaja supera todas las expectativas: Nicola Costantino, Paula Toto Blake, Sofía López Mañán, Estanislao Florido, Florence Vaisberg, Arturo Aguiar, Diego Beyró, Nicanor Araoz, Leonardo Damonte, Marcela Valero Narváez y Laura Ortego (Argentina); Alejandra Alarcón (Bolivia); Paulina Silva Hauyón (Chile), Muu Blanco (Venezuela); y Tristán Reyes (Puerto Rico). Y con la intención de seguir ampliándolo en un futuro próximo, reforzando una línea de actuación singular y personal de su autor. Galería-estudio-residencia de / Gallery-Studio-Residency of Patricio Gil Flood (Argentina) y Paulina Silva Hauyon (Chile), galería Sicart (Vilafranca del Penedés, Barcelona, España / Spain), 5 marzo / March – 16 abril / April 2011. Galería-estudio-residencia de / Gallery-Studio-Residency of Alejandra Alarcón (Bolivia), galería Sicart (Vilafranca del Penedés, Barcelona, España / Spain), 30 abril / April – 21 junio / June 2011. MENENE GRAS Menene Gras Balaguer es crítico de arte y comisaria de exposiciones. Directora de Cultura y Exposiciones de Casa Asia (Madrid & Barcelona / España). Corresponsal de art.es en Cataluña (España).

Galería-estudio-residencia de / Gallery-Studio-Residency of Alejandra Alarcón (Bolivia), galería Sicart, 30 abril / April – 21 junio / June 2011.

No es sólo la situación del mercado del arte local y global la que hace pensar en nuevas maneras de ver el oficio de

galerista y la relación de éste con el artista, sino que, ante la pérdida de eficacia de ciertos hábitos relacionados con

la práctica del galerismo convencional, se ha empezado a promover la necesidad de consensuar alternativas que permitan adaptar a los tiempos actuales aquello a lo que parecíamos estar acostumbrados. No es muy habitual hablar de agentes del mercado del arte como los galeristas, pero en ocasiones por qué no hacerlo, cuando informar sobre ciertos comportamientos o actividades puede alterar la percepción que se tiene de sus posibilidades. Ramon Sicart, desde su espacio expositivo de Vilafranca del Penedès (Barcelona, España), aboga por una búsqueda de opciones que permitan continuar creyendo en la vigencia del galerismo y del galerista como intermediario que facilita la visibilidad de la producción artística contemporánea, gestionando, además, recursos para la producción y la promoción. No es un “periférico”, pero defiende voluntariamente las periferias antes que las tendencias aprobadas por los agentes del sistema del arte más oficialista. Tampoco teme cuestionar el oficio o la vocación de galerista y tener que concluir la necesidad de replantearse sus objetivos convirtiendo la galería en espacio “alternativo”, como resultado de una reflexión crítica tras una década de experiencia en el oficio. Llamo estrategias de resistencia a prácticas que desde la galería se pueden hacer, se han hecho y se siguen haciendo, injustamente omitidas, con el fin de plantear tanto opciones viables como de ampliar la oferta, mediante la puesta en práctica de programas especiales que justifican el rechazo a la mera exposición de obra, prefiriendo trabajar con los propios artistas y hacerles partícipes del proyecto en líneas generales. Sicart ha elegido esta opción en un contexto de aislamiento y de precariedad, tratando de superar las limitaciones inherentes a la ubicación periférica y a las dificultades que a menudo ponen en entredicho la legitimidad de la galería.

Galería-estudio-residencia de / Gallery-Studio-Residency of Alejandra Alarcón (Bolivia), galería Sicart (Vilafranca del Penedés, Barcelona, España / Spain), 30 abril / April – 21 junio / June 2011.

La galería Sicart se fundó en el año 2000 y dispone de dos espacios de 125 m2 y 25m2 en los que se han ido sucediendo

las exposiciones, hasta que recientemente, en la primera mitad de este año, se han puesto en práctica los dos primeros proyectos de lo que se ha denominado “Galería-Estudio-Residencia”. Se trata de un programa diseñado para dar cabida a proyectos de artistas que deben realizar la obra durante su estancia en Barcelona y en el espacio de la galería, que durante el tiempo convenido deja de funcionar como tal para ser un espacio de producción. El primero ha sido el proyecto de Patricio Gil Flood (Argentina) y Paulina Silva Hauyon (Chile), cuyas instalaciones se expusieron entre el 5 de marzo y el 16 de abril, y de las que la galería ha hecho adquisición para su colección. Y el segundo, el de Alejandra Alarcón (Bolivia), que realizó y presentó sus sorprendentes acuarelas de gran formato entre el 30 de abril y el 21 de junio. Durante su estancia en Barcelona, consiguió una importante proyección pública gracias a la mediación del galerista y a su propio trabajo, donde defiende la vigencia de la pintura y del dibujo para crear un mundo onírico y literario.

Tanto en uno como en otro caso, la galería se ha hecho cargo de los viajes, la estancia y los materiales necesarios

para la producción de obra. La experiencia para el galerista ha sido de sumo interés, tanto para él mismo como para el

público, que ha podido entrar en contacto con los artistas y con el proceso de producción de la obra. Existían algunos

precedentes en la galería de este tipo de acciones, pero hasta ahora no habían formado parte de un programa propio

y definido por su carácter esporádico. Lo que se persigue es potenciar una propuesta que amplía los usos de un espacio expositivo privado. No obstante, este galerista de la periferia, como a veces repite de sí mismo irónicamente, ha conseguido internacionalizar su galería gracias también a otro programa, Perspectivas Latinoamericanas, que se ha ido consolidando con su selección de artistas y por su reiterada presencia en ferias como Arte Lisboa, Art Frankfurt, Diva (N. York), Scope (N. York), Pinta (Londres y N. York), Chaco (Chile), Artbo (Colombia), Photo Miami, Buenos Aires Photo y ArteBA de Buenos Aires (por no hablar de las españolas como Swab ,Barcelona, Just Mad ,Madrid, o Arte Santander). De hecho, se ha especializado más que ningún otro galerista de España en arte latinoamericano contemporáneo, descu

briendo a los artistas más jóvenes e invirtiendo la mayor parte de sus recursos en la promoción de sus trabajos. Esto

no puede pasar por alto, en la medida en que actualmente el número de artistas latinoamericanos con los que trabaja

supera todas las expectativas: Nicola Costantino, Paula Toto Blake, Sofía López Mañán, Estanislao Florido, Florence

Vaisberg, Arturo Aguiar, Diego Beyró, Nicanor Araoz, Leonardo Damonte, Marcela Valero Narváez y Laura Ortego (Argentina); Alejandra Alarcón (Bolivia); Paulina Silva Hauyón (Chile), Muu Blanco (Venezuela); y Tristán Reyes (Puerto Rico). Y con la intención de seguir ampliándolo en un futuro próximo, reforzando una línea de actuación singular

y personal de su autor.

Galería-estudio-residencia de / Gallery-Studio-Residency of Patricio Gil Flood (Argentina) y Paulina Silva Hauyon (Chile), galería Sicart (Vilafranca del Penedés, Barcelona, España / Spain), 5 marzo / March – 16 abril / April 2011.

Gallery-Studio-Residency of Alejandra Alarcón (Bolivia), galería Sicart (Vilafranca del Penedés, Barcelona, España / Spain), 30 abril / April – 21 junio / June 2011.

MENENE GRAS

Menene Gras Balaguer es crítico de arte y comisaria de exposiciones. Directora

de Cultura y Exposiciones de Casa Asia (Madrid & Barcelona / España). Corresponsal

de art.es en Cataluña (España).

Galería Sicart en PINTA Londres 2011

2011-05-30T15:21:00.000-07:00

ALEJANDRA ALARCÓN

NICOLA COSTANTINO

PATRICIO GIL FLOOD

LIDÓ RICO

PAULINA SILVA HAUYÓN

PAULA TOTO BLAKE

Catalogo:

Galeria SICART en SWAB Barcelona 2011

2011-05-22T14:23:00.000-07:00

ALEJANDRA ALARCÓN - LLUIS BARBA

CRISTINA CALDERÓN & JOSE LUIS PAULETE

NICOLA COSTANTINO - MARTA ESPINACH

ESTANISLAO FLORIDO - PATRICIO GIL FLOOD

LIDÓ RICO - PAULINA SILVA HAUYON

El Porta (L) voz

2011-05-20T00:08:00.000-07:00

LA HIPERTEXTUAL SAGACIDAD DE ALEJANDRA ALARCÓN

por Fadrique Iglesias

Alejandra Alarcón

Existen personajes arquetípicos o referenciales usados hasta la saciedad por los bolivianos, y con razón. Frecuentemente nos miramos en el espejo del Diablo Etcheverry, de Evo Morales, de Eduardo Mitre, de Jaime Laredo, de Jorge Sanjinés, de Gastón Ugalde, de los hermanos Hermosa o de Carla Morón, y buscamos intensamente las nuevas versiones sin éxito.

Pero lo cierto es que existe un movimiento silencioso emergente, de gente joven, a la que le están saliendo bien las cosas. Ellos probablemente no lleguen a ser portada en Vogue o Newsweek (los mencionados quizás tampoco), pero sus capacidades comienzan a ser valoradas en sus campos de acción.

Rodrigo Hasbún en literatura, Óscar Soliz en ciclismo, Cristian Mercado en actuación, Marcelo Martins en fútbol, Eduardo Calla en dirección escénica, Joaquín Cuevas en cómic, Elvira Espejo en el arte textil o Alejandra Alarcón en arte visual, por proponer posibles nombres entre la gente que comienza a internacionalizarse. Son algunos de los protagonistas silenciosos que día a día se van abriendo espacio. Ellos no pretenden sustituir al grupo previamente citado, simplemente hacen su trabajo convenientemente.

Príncipe en licuadora

No parecen ser aleatorias las causas de su éxito. Todos ellos han tenido acceso a las nuevas tecnologías y han dispuesto de más ventajas –también más inconvenientes- en cuanto a formación técnica dentro de sus campos, gracias en parte a la globalización y a su laborioso empeño.

Precisamente Alejandra Alarcón, que ya comienza a tener una trayectoria consistente como pintora y artista visual, estos días emprende una nueva aventura en la zona catalana de Vilafranca del Penedés, España. Esta vez se trata de una residencia de tres meses en la galería de arte SICART. Simultáneamente expone en Coahuila, México, en el marco de un programa llamado CUADRO, que busca enmarcar las diferentes manifestaciones del arte emergente en México; en Miami, con algunos de los más importantes artistas contemporáneos de Bolivia en una exposición llamada “Miamicito” y en Cochabamba en el Centro Patiño con la exposición “Doméstico”. Todo a la vez. Un torbellino, tal como ella demuestra ser por dentro.

Love Story I

Además Alejandra ha prestado últimamente obras para portadas de discos, ilustraciones en antologías de literatura boliviana y talleres educativos. Ella es cochabambina, socióloga por la Universidad Mayor de San Simón y Licenciada en artes plásticas por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, de México. Sus piezas de arte se han instalado en Estados Unidos, España, Italia, México, Perú, Chile, Brasil, China, Canadá, Bélgica, Argentina y Bolivia. Sus series más conocidas han sido “El olor del clan”, "Amorte", "Blanca Nieves" y “Caperucita la más roja”.

Alejandra no suele limitar su arte a las dos dimensiones del lienzo ya que destaca su faceta en el videoarte. Además, aprovecha las ventajas que le han dado las redes sociales para obtener retroalimentación, de la misma forma que aprovecha las posibilidades de los hipervínculos que tienen su blog y su página web.

Ella misma parece ser hipertextual, relaciona conceptos, ideas, realidades, contextos, situaciones complejas, situaciones simples y otras nimias, y las pasa por su escáner mental para luego subjetivizarlas. Parece más hija de las conexiones neuronales y psicológicas que heredera del costumbrismo y la tradición estética ligada a las minas o al paisaje del Valle Alto –del que tampoco reniega-. Ella es parte de la generación de artistas más inclinados por el intimismo y las obras de autor que por los hechos grandilocuentes y los movimientos demanifiesto.

Lobo

Se nutre de artistas bolivianos de su generación –Coca, Rada, Delgado, Dorado, etc.- pero también de las poderosas imágenes de Wong Kar Wai y David Lynch, de la música pop de Adanowski (hijo del chileno Jodorowski) o de las tragedias clásicas de Sófocles, además de una inabarcable cantidad de artistas y artesanos dispersos por la web. Precisamente el personaje mitológico de Yocasta ha inspirado una de sus exposiciones pasadas, así como también el de la Caperucita Roja.

Alarcón suele centrar sus inquietudes en conceptos relativos a la mujer, al poder, a los imaginarios alrededor de los cuentos infantiles, a las relaciones de dominación, a las imposiciones moralistas, al uso de la sensualidad femenina, a ciertas conductas animales y a la esencia misma del ser humano.

Cuando se le comenta sobre la función decorativa del arte, ella reconoce que aunque la belleza dejó de ser una necesidad hace algunas décadas, sí puede ser una herramienta, que ella utiliza como anzuelo para ulteriores fines, específicamente como potente medio de transmisión figurativa de algo que no necesariamente debe ser pulcro: la realidad humana.

Ella siente que existe esa generación, silenciosa o no tanto, quizás gracias a una conjunción casual o austral, a la que achaca valores positivos como el de la independencia del mercado y los poderes fácticos, al ser la mayoría autogestionados y no dependientes de la evaluación del mercado o del patrocinador.

Quizás sea momento de ver más detalladamente que cosas positivas hay alrededor, qué propuestas están aún por ebullir. Ese es el objetivo de ésta revista, entre otras cosas.

Sitio web: Alejandra Alarcón

Blog: Caperucita la más roja

Expone actualmente en: Galería Sicart

Fadrique Iglesias

*El autor tiene estudios en industrias culturales y desarrollo local.

arte BA

2011-05-16T03:58:00.001-07:00

20ª edición de Arte Buenos Aires www.arteba.org

Del 19 al 23 de mayo de 2011.

Pabellones Azul y Verde. La Rural. Buenos Aires.

ARTURO AGUIAR

ALEJANDRA ALARCÓN

LLUÍS BARBA

CRISTINA CALDERÓN & JOSÉ LUIS PAULETE

NICOLA COSTANTINO

MARTA ESPINACH

PATRICIO GIL FLOOD

FERNANDO NAVARRO VEJO

LIDÓ RICO

PAULINA SILVA HAUYÓN

PAULA TOTO BLAKE

GABRIEL VALANSI

GALERIA SICART

Carrer de la Font, 44
08720 VILAFRANCA DEL PENEDÈS (Barcelona)
tel. +34 93 818 03 65 cel.+34 629 23 75 60
fax +34 977 678 067
galeriasicart@galeriasicart.com
galeriasicart.com
Facebook: Galeria Sicart

Entrevista de Alba Balderrama

2011-05-11T05:41:00.000-07:00

Entrevista a Alejandra Alarcón

DESPUÉS DEL FINAL FELIZ…

Por: Alba Balderrama

Alejandra Alejandra

…debajo estoy yo

…….Alejandra.

(Sólo un nombre. Alejandra Pizarnik)

Había una vez, en la ciudad de Cochabamba una mujer-niña-abuela que se llamaba Alejandra, como yo y como todo el mundo. Ella pintaba con colores, con agua y sangre, en el papel y en la piel. Pintaba cuentos imaginados por la mujer-niña.

En sus dibujos hablaba sobre seres, sobre hombres y mujeres, sobre mujeres-hombres, sobre bestias, sobre bestias-mascotas, sobre mujeres-bestias, sobre tripas, sobre sus sexos abiertos y expuestos, sobre sus pelos y fluidos. Sus dibujos eran cuentos que la mujer-niña había devorado con la ferocidad y el gruñido de un lobo y que la mujer-abuela nos contaba en las noches sentada al borde de la cama o hundida en un sillón.

Pero estos dibujos que la mujer-niña-abuela construía nunca terminaban, estaban inconclusos y dejaban una inquietante sensación de secreto. Alejandra revivía en sus dibujos esa sensación de duda y sospecha que nos queda luego de haber terminado un cuento con final feliz.

Irreverente como la niña Juana en el libro “Cerca del Corazón Salvaje” de Clarice Lispector, que al escuchar “… y vivieron felices para siempre”, Alejandra se pregunta con la misma legítima insistencia que Juana: “- ¿Qué es lo que se consigue cuando se es feliz? (…). – Haz de nuevo la pregunta, Juana, no te he oído. – Quería saber qué pasa después de que se es feliz. ¿Qué ocurre después? – repitió la niña con obstinación.

La profesora ponía cara de sorpresa.

-¡Qué idea! ¡No entiendo qué quieres decir, vaya una idea! Haz la misma pregunta con otras palabras a ver…

-Uno es feliz, ¿para qué?.”

Como si el “final feliz”, fuera un tapón en la boca y en la consciencia y no se pudiese cuestionar más nada de la historia que acabamos de leer o de ver.

Los dibujos, los objetos y videos que Alejandra construía se han convertido en cuentos y fábulas de ella misma y de todo el mundo, al menos del que cree ser feliz.

Me pasa siempre con Alejandra Alarcón que cuando coincidimos en persona o en sus cuadros me siento inmediatamente impelida a sentarme con ella en un mullido sillón y decirle: cuéntame un cuento, esos cuentos que sabes que me aterran, con esos monstruos que llevamos dentro y que nos devoran poco a poco y nos cortan la piel por dentro como las aves dentro el huevo que con su pico rompen la cáscara para salir al mundo, solo que estas aves siempre están en medio de hacerse, están todavía babosas y pegajosas, con sus plumas pegoteadas de sangre y sal. Siempre construyéndose, haciéndose.

Así que aprovechando la cercanía de la inauguración de una muestra de sus dibujos y videoartes, denominada DOMÈSTICO, de Alejandra Alarcón, que se realizará en el Centro de Exposiciones del Centro Simón I. Patiño el jueves 7 de Julio, decidimos juntas sentarnos en el sillón mullido de la mujer-niña-abuela y hablar sobre su historia, sobre sus finales y personajes. Ojo que este sillón es grande, cómodo y acolchado pero ardiente.

-Ale, juguemos. Digamos que yo soy la princesa, quién eres tú?

-No lo sé. Un devenir, entre lo que creo que soy, y lo que soy, entre lo que quiero ser, y puedo ser. Estoy en la búsqueda.

-Y el príncipe azul?; existe el príncipe azul? Nunca lo vi en tu obra.

-El príncipe azul no existe o no vendrá mientras esta cenicienta siga fingiendo que está incompleta, mientras siga esperando que Otro (príncipe, sapo, hombre, joven) la complete. Creo que la posibilidad de construir en pareja es a partir de la completitud, no de falta. Dos seres completos que se encuentran. Ver a un hombre completo (no una versión idealizada) tiene que ver con la completitud de ella misma.

Alejandra nos enfrenta con su obra a la idea de identidad y de construcción personal. Construcción que se ha dado a través del imaginario de los cuentos infantiles clásicos (Caperucita Roja, Blanca Nieves, Cenicienta, Rapunsel) y otros menos clásicos como las telenovelas, los concursos de belleza, las películas, etc. que en definitiva son los mecanismos por los que se perpetúan los roles de hombres y mujeres en el mundo hoy y que Alarcón desmitifica, despedaza hasta hacerlos sangrar, aunque luego se lave las manos ensangrentadas (como en su video arte Amorte).

-En tu obra tú propones que la realidad es una ficción, entendida como construcción a partir de roles aprendidos y asimilidados; cómo sería la ficción de nuestra realidad en un mundo ideal?

- Los imaginarios que nos construyen tienen implícito un deber ser, que a veces constriñe nuestro actuar. Me interesa, rasgar estos límites, hacerlos difusos, para que este ser humano (a) pueda reflejarse más entero(a), en toda su animalidad, en toda su esquizo identidad, en todas las posibilidades de ser.

“Somos más animales de lo que creemos ser” me dice luego

Desde mi esquizo curiosidad quiero saber a qué otro personaje, princesa o bestia diseccionará próximamente, por el momento tienen planeada una residencia en Barcelona con el título: “La distancia adecuada”, “será más bien un momento en el que quiero revisar mi producción, encontrar nuevas lecturas de la misma, trabajar de nuevo, a partir de preguntas que nacen de lo visual. Todas las series que trabajo siguen en proceso, las vuelvo abordar, relacionar, conectar, hilar, es un proceso en el que los caminos se van construyendo y conectando en varios niveles. En realidad más que personajes creo que son estados del ser en este devenir”, dice.

La mujer-niña-abuela no terminó la historia, me deja pensando y susurra algo en mi oído, que seguramente se mantendrá en mí por mucho tiempo. Mientras tanto, me acurruco en el sillón serena porque sé que final feliz no habrá.

ALEJANDRA ALARCÓN nació en la ciudad de Cochabamba, en 1976. Hizo la licenciatura en sociología en la Universidad Mayor de San Simón y en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura y Grabado La Esmeralda (México, D.F.) Actualmente vive y trabaja en Cochabamba. Ha presentado las exposiciones individuales: “Caperucita, la más roja”, “El Olor del Clan” y “Amorte”. Trabaja con acuarelas, video, objetos e instalaciones.

la distancia adecuada

2011-04-26T02:32:00.001-07:00

CICLE: PERSPECTIVAS LATINOAMERICANAS

Alejandra Alarcón (1976 – Cochabamba, Bolivia)

La distancia adecuada

Residència-exposició.

Sala gran

ALEJANDRA ALARCÓN. La distancia adecuada. Aquarel·la sobre paper, 2011. 35x60 cm.

LA DISTÀNCIA ADEQUADA

Deixar de banda la velocitat per donar lloc a la quietud i el silenci. Ordenar els fragments i construir una plataforma on es reflecteixi el que fins ara s'ha recollit, format i deformat.La pausa en el caminar és com el preàmbul al nou camí pel qual es vol transitar, les noves formes que es vol buscar, els nous paisatges pels quals es vol volar.És així que el projecte de la residència podria ser el moment per preparar-se a donar, una altra vegada, un salt.En aquest sentit voldria que el projecte residència taller sigui una experiència de revisió, reciclatge, així com també de recerca de trajectes dins del camí fet.
L'experiència en una residència significa: instal·lar-se en un context diferent i tot el que això implica, pensar i repensar, descobrir altres espais - temps geogràfics i humans, mirar de nou, revisar el propi treball, refrescar els sentits, i a partir de tot això generar obra i veure que passa. En aquest veure que passa... vaig pensar en la "Distància adequada" com a títol per a aquesta experiència artística.
La distància adequada per percebre l'esdevenir, des d'un altre lloc.La distància adequada per jutjar, oblidar, negociar, equilibrar, perdonar, tocar.Deixar. La distància com a temps, com respiració.L'obra com la vida, el veure's a través de l'obra amb la distància adequada,
En aquesta residència taller exposició es tractarà de reflexionar a nivell visual sobre aquestes preguntes. L’aquarel·la com a mitjà immediat que permet esbossar línies de pensament. Vull revisar la meva producció, trobar noves lectures de la mateixa, treballar de nou, a partir de preguntes que neixen del visual.
RECORREGUT ARTÍSTIC.El meu treball artístic visual té a veure amb reciclar els rols assignats dels contes infantils. M'interessa re-interpretar i posar en dubte, desvetllar i desemmascarar, els valors morals que aquestes històries tracten de consagrar com a veritats universals. El treball que he realitzat els dos últims anys toca aquests temes des d'una iconografia precisa, la dels contes infantils, com la Caputxeta Vermella, Barba Blava, Ventafocs, La princesa i el gripau, Blanca Nieves i Rapunzel. Les diferents sèries exploren en variades direccions la possibilitat de trobar-nos amb els desitjos reprimits de les nenes dones, amb el poder que soterradament es va mostrant en invertir, distorsionar, barrejar, juxtaposar i recompondre la imatge femenina que és plantejada en els contes i emulada en la quotidianitat inadvertidament.L'última sèrie que vaig començar a treballar l'any passat, té a veure amb el món simbòlic de les relacions de parella. L'imaginari que es construeix en els rols de víctima i victimari que s'alternen per poder complir el pacte que van fer, encara que ja no hi hagi amor. Ferits, morts, buits, continuen junts. M'interessa representar un món de personatges que sobreviuen a la seva forma inicial construint una altra, personatges que negocien la tragèdia amb el seu desig de ser d'una altra manera, personatges que camuflen el destí en noves formes d'existir a partir de la distància.Totes aquestes sèries segueixen en procés, les torno a abordar, relacionar, connectar, filar; és un procés en el que els camins es van construint i connectant en diversos nivells. Aquest treball en sèries té un desenvolupament rizomàtic (referent al rizoma de Deleuze i Guattari, és a dir, un model descriptiu o epistemològic en què l'organització dels elements no segueix línies de subordinació jeràrquica sinó que qualsevol element pot afectar o incidir en qualsevol altre ). M'interessa construir una xarxa de conceptes pels quals pugui transitar aleatòriament, amb múltiples sortides i entrades. El procés creatiu que segueixo no és lineal, ni jerarquitzat, hi ha múltiples connexions entre els conceptes que tracto.

Inauguració, dissabte, 30 d'abril de 2.011, a partir de les 12 del migdia.

Del 30 d'abril al 4 de juny de 2011.

----------------------------------------------------------------------------------------------------

LA DISTANCIA ADECUADA

Dejar a un lado la velocidad para dar lugar a la quietud y el silencio. Ordenar los fragmentos y construir una plataforma en la que se refleje lo que hasta ahora se ha recogido, formado y deformado.

La pausa en el andar es como el preámbulo al nuevo camino por el que se quiere transitar, las nuevas formas que se quiere buscar, los nuevos paisajes por los que se quiere volar.

Es así que el proyecto de la residencia podría ser el momento para prepararse a dar, otra vez, un salto.

En este sentido quisiera que el proyecto residencia taller sea una experiencia de revisión, reciclaje, así como también de búsqueda de trayectos dentro del camino andado.

La experiencia en una residencia significa: instalarse en un contexto diferente y todo lo que esto implica, pensarse y repensarse, descubrir otros espacios - tiempos geográficos y humanos, mirar de nuevo, revisar el propio trabajo, refrescar los sentidos, y a partir de todo esto generar obra y ver que ocurre. En este ver que ocurre… pensé en la “Distancia adecuada” como título para esta experiencia artística.

La distancia adecuada para percibir el devenir, desde otro lugar.

La distancia adecuada para juzgar, olvidar, negociar, equilibrar, perdonar, tocar.

Dejar. La distancia como tiempo, como respiración.

La obra como la vida, el verse a través de la obra con la distancia adecuada,

En esta residencia taller exposición se tratará de reflexionar a nivel visual sobre estas preguntas. La acuarela como medio inmediato que permite esbozar líneas de pensamiento. Quiero revisar mi producción, encontrar nuevas lecturas de la misma, trabajar de nuevo, a partir de preguntas que nacen de lo visual.

Recorrido artístico.

Mi trabajo artístico visual tiene que ver con reciclar los roles asignados de los cuentos infantiles. Me interesa reinterpretar y poner en duda, develar y desenmascarar, los valores morales que estas historias tratan de consagrar como verdades universales. El trabajo que he realizado los dos últimos años toca estos temas desde una iconografía precisa, la de los cuentos infantiles, como Caperucita Roja, Barba Azul, Cenicienta, La princesa y el sapo, Blanca Nieves y Rapunzel. Las diferentes series exploran en variadas direcciones la posibilidad de encontrarnos con los deseos reprimidos de las niñas mujeres, con el poder que soterradamente se va mostrando al invertir, distorsionar, mezclar, yuxtaponer y recomponer la imagen femenina que es planteada en los cuentos y emulada en lo cotidiano inadvertidamente.

La ultima serie que empecé a trabajar el año pasado, tiene que ver con el mundo simbólico de las relaciones de pareja. El imaginario que se construye en los roles de víctima y victimario que se alternan para poder cumplir el pacto que hicieron, aunque ya no exista amor. Heridos, muertos, vacíos, continúan juntos. Me interesa representar un mundo de personajes que sobreviven a su forma inicial construyéndose otra, personajes que negocian lo trágico con su deseo de ser de otra manera, personajes que camuflan el destino en nuevas formas de existir a partir de la distancia.

Todas estas series siguen en proceso, las vuelvo abordar, relacionar, conectar, hilar, es un proceso en el que los caminos se van construyendo y conectando en varios niveles. Este trabajo en series tiene un desarrollo rizomático (referente al rizoma de Deleuze y Guattari, es decir, un modelo descriptivo o epistemológico en el que la organización de los elementos no sigue líneas de subordinación jerárquica sino que cualquier elemento puede afectar o incidir en cualquier otro). Me interesa construir una red de conceptos por los que pueda transitar aleatoriamente, con múltiples salidas y entradas. El proceso creativo que sigo no es lineal, ni jerarquizado, existen múltiples conexiones entre los conceptos que abordo.

Inauguración, sábado 30 de Abril de 2.011, a partir de las 12 del mediodía.

Del 30 de abril al 4 de Junio de 2011.

GALERIA SICART
Carrer de la Font, 44
08720 VILAFRANCA DEL PENEDÈS (Barcelona)
tel. +34 93 818 03 65 cel.+34 629 23 75 60
fax +34 977 678 067
galeriasicart@galeriasicart.com
galeriasicart.com
Facebook: Galeria Sicart

PRENSA: Bonart Actualitat
Arte por Excelencias

DOMÈSTICO

2011-04-11T10:11:00.000-07:00

DOMÈSTICO

este Jueves 14 de Abril 2011

7:00 pm

Centro Simon I. Patiño

Prensa La Ramona Opinion

El gato que ladra

Revista de Fotografía Sueño de la Razòn

2011-04-05T08:50:00.000-07:00

aquì

Pàgina 92

CUADRO

2011-04-05T06:06:00.000-07:00

Nueva exposición de CUADRO Artistas Emergentes, que se presentará del 08 de abril al 28 de agosto en el Museo Pape de Monclova, Coahuila, México. Inauguración 08 de abril / 20:00 horas.

MIAMICITO

2011-03-28T16:23:00.000-07:00

Inauguración 9 de abril 2011

Galeria Dotfiftyone

Miami Estados Unidos

“MIAMICITO”, Bolivian Contemporary Artists. Exhibition curated by Raquel Schwartz.
April 9th, 2011 – June 5th, 2011.

Opening reception for the artists, Saturday April 9th, 2011. 4:30 PM – 10:30PM

“Miamicito” is an exhibition that aims to present to the Miami’s audience the most contemporary aspects of the current Bolivian art.

This show was organized in collaboration with Kiosko Galeria, (Santa Cruz de la Sierra, in Bolivia) and will feature paintings, photography, and installations by the following selected group of artists:

Alejandra Alarcón, Alejandra Delgado, Roberto Uterladstaetter, Roberto Valcárcel, Raquel Schwartz, Alfredo Román, Eduardo Rivera, Claudia Joskowicz, Andres Bedoya, Oscar Barbery, Douglas Rodrigo Rada, Ramiro Garavito, Gastón Ugalde, Keiko González, Cecilia Lampo.

Ramiro Garavito one of the participating artists describes this exhibition as follow:

The name “Miamicito” refers to the flea markets in Bolivia where people go shopping for a variety of items. The merchandise is a comprehensive compiling of local articles of popular demand; however, you can find many imported items brought to the country overcoming regular customs in a very skillful manner. In this particular sense, the show “Miamicito” presents the juxtaposition between the neighboring ancestral ways of life and global culture

The show “Miamicito” presents the audience with the idea of a heterogeneous syncretism, the timeless matter of the moving spirit of times. That essence, that debates between the pretentious and hybrid planetary identity, and the need of assurance on the territory.

The constant pass of conceptual, geographical and disciplinary frontiers means not only the disappearance of the existent divisions among artistic categories and disciplines, but also of the dissolution of anthropological distinctions like emotions and reasoning.

Some of the works at “Miamicito” point to the doubt that dwells the spirit of our times. The ongoing crossover of frontiers births the “indetermination” as a new category for the interpretation of reality. For example, concepts like “the end of history” or “the end of art” are talking less about limits and more about the natural lack of capacity to find meaning in the processes of unknown developments. Art continues its advancements and history keeps happening; there are still war and social transformations. The difference is now that we are clueless about its “telos”*. That is our anxiety.

Raquel Schwartz curator of the exhibition and owner of Kiosko Galleria will be participating in concordance with “Miamicito” in the “Symposium, New Methods” (May 4 – 6), Museum of Contemporary Art (MOCA) – Miami.

Following the opening reception, gallery hours will be Monday-Friday, 12 P.M. to 7 P.M. On Saturdays private viewings will be available by appointment

Further information regarding the exhibitions is available by calling (305) 573-9994, via

e-mail dot@dotfiftyone.com, and online at www.dotfiftyone.com.

*A telos (from the Greek τέλοϛ for "end", "purpose", or "goal") is an end or purpose, in a fairly constrained sense used by philosophers such as Aristotle. It is the root of the term "teleology," roughly the study of purposiveness, or the study of objects with a view to their aims, purposes, or intentions.

PRENSA: Latin American Art

Latin American Art
La Razon

La Razòn
Miami New Times Art
Artes y Letras

News

2011-03-02T08:16:00.000-08:00

PROXIMAMENTE

Abril Centro Simón I. Patiño Cochabamba, Bolivia
Abril/Junio Galería Kiosko en DotFiftyOne Art Gallery Miami; FL
April/Junio Galería Sicart, Barcelona, Spain
Julio Centro Simón I. Patiño Santa Cruz, Bolivia
Noviembre Niterói Rio de Janeiro, Brazil

Disco

2011-02-04T08:09:00.000-08:00

Retrato polar

disco de Leonel Garcia

Entrevista en El Escaparate

2010-12-22T17:07:00.000-08:00

Primera Parte

Segunda Parte

ART CRUZ

2010-12-14T08:33:00.000-08:00

Del 14 al 18 de diciembre de 2010 20:00

Café LORCA

Santa Cruz Bolivia

Prensa El Deber

Fuegos ARTE - FICIALES

2010-12-08T05:38:00.000-08:00

Fuegos ARTE - FICIALES

35 Artistas contemporáneos
Inauguración 8 de Diciembre
Colonia Cuauhtèmoc
Mèxico D.F.

Artistas

Floria González Alejandra Alarcón Pablo Cotama Gustavo Abascal

Jorge Hauss Jean Yves Drouineau Francesca Dalla Ventea

Diego Decont Orlando Díaz Carlos Pez La Ceiba Christi Haupt Jens Kull Walter Nadler Luis Ruíz Ojo por ojo Rubén Ochoa Patricia Oliver Ana Gómez Israel González Francisco Hauss Tania Ximena Marianna Medina Carlos Pérez Bucio Kenta Tori Guillermo Scully Kayo Tamaishi Jacob Sandrac Stevan A David Eisenberg Leomar Sebastián Elías Gómez Saveuk Cesar Urrutia Daniela Canela Daniel Castillejos Mauricio Chacón Omar mañueco

Lo mas profundo... ¿LA PIEL? en Santa Cruz, La Paz y Cochabamba

2010-11-11T14:00:00.000-08:00

Descargar el libro: aquì

prensa El Deber

El Deber

Los Tiempos

Opinion

El Diario

El Mundo

Cash 24 Horas

Fondo Negro

Blogs Estante Boliviano

Literatura en Bolivia

Alma Zen

Dark Paranoid Park

Marea y Cielo

Transcripciòn Local

2010-10-24T14:01:00.000-07:00

Transcripciòn Local

Iquique Chile

Del 2 al 26 de Noviembre 2010

Del 2 al 26 de noviembre estará la muestra de arte contemporáneo denominada TRANSCRIPCION_LOCAL. Toda esta producción se llevó a cabo en el histórico Palacio Astoreca de la ciudad de Iquique en el norte de Chile.

Este proyecto que ha sido financiado por la Municipalidad de Iquique pondrá en escena las obras de 24 artistas
provenientes de Arica, Iquique, Alto Hospicio, Antofagasta, Santiago, Concepción y Temuco, así como también obras de artistas de Argentina y Bolivia.

El concepto de TRANSCRIPCION_LOCAL se refiere a las interrogantes encontradas en las traducciones (obras) e interpretaciones (teoría) del arte contemporáneo nacional en contraposición con la creación artística transfronteriza. Por lo demás, esta exposición ofreció 3 ejes de investigación para los artistas visuales invitados: Territorio, Interconexión y Archivo.

Artistas

María Inés Candia (Iquique, Chile), Cintia Clara Romero (Santa Fe, Argentina), Italo Cossia (Arica, Chile), Alejandra Prieto (Santiago, Chile), Jo Muñoz (Iquique, Chile), Alejandra Alarcón (Cochabamba, Bolivia), Cindy Lia (Alto Hospicio, Chile), Rodrigo Lobos (Santiago, Chile), Renato Calderón (Iquique, Chile), Jorge Witwer (Antofagasta, Chile), Raquel Schwartz, (Santa Cruz, Chile), Cristian Calderón (Iquique, Chile), Luis Almendra (Concepción, Chile), Carlos Vargas (Alto Hospicio, Chile), Milena Mollo (Iquique, Chile), Pablo Forero (Bogotá, Colombia), Nicolás Rupcich (Santiago, Chile), Alex Tancara (Alto Hospicio, Chile), Gonzalo Cueto (Temuco, Chile), Fernando Ossandón (Iquique, Chile), Cristián Segura (Tandil, Argentina), Dagmara Wyskiel (Antofagasta, Chile), Gianfranco Foschino (Santiago, Chile) y Pedro Rodríguez (Iquique, Chile)

Curador

Rodolfo Andaúr

Los días 29 y 30 de octubre se realizarán seminarios a cargo de Justo Pastor Mellado, Carlos Flores del Pino -director de la Escuela de Cine-, Bernardo Guerrero -sociólogo- y Raquel Schwartz -artista visual y gestora-.

Textos post-curatoriales

Transcripción_Local


escrito por Rodolfo Andaur
13 de diciembre de 2010
^{Still "Copyright", Nicolás Rupcich.} Situar la realidad de la estructura general de una escena de artes visuales¹ y, al mismo tiempo, conectarla con la difusión del arte contemporáneo chileno desde la región de Tarapacá, han formado parte de mi relato para ejecutar el proyecto Transcripcion_Local. Transcripcion_Local es un proyecto de arte contemporáneo que fecunda relatos que desarrollan una disposición autónoma del trabajo artístico dentro de ciudades y regiones sin estructuras ni esquemas para la realización de éstas prácticas, así como tampoco para su territorio de investigación. Transcripcion_Local también anexa un relato de la experiencia de difusión artística en otros lugares de Sudamérica con todas sus garantías actuales: museos, galerías, centro de documentación, revistas, entre otros. De esta manera y como primer paso, se reunieron en el archivo del CREAR² artistas visuales, gestores culturales y críticos pertenecientes a distintas áreas de investigación, los cuales emplazaron, en una mesa redonda, los grandes temas que hoy imperan en el mundo de las artes visuales: creación y difusión. Todo esto trajo consigo un sin fin de interrogantes que dinamizarán acciones con juicios críticos sobre la creación artística actual en nuestro país y en otros países como Perú, Bolivia y Argentina. La mayor parte del tiempo, algunos expertos recapitulan antecedentes sobre los procesos de creación artística, pero en este caso, lo que propuse fue considerar una modalidad que establecía la visita a emblemas del territorio (por ejemplo caminata al cementerio de Pisagua), tener en cuenta los rastros de lo que se debe archivar y documentar, la producción de una exposición y, por último, la construcción de redes que nos interconecten con otros países. Ciertamente, las dualidades territorio-artista y lugar-obra quedan establecidas por si solas con el roce de los conceptos: territorio, archivo e interconexión. ^{"Factor Graso", Fernando Ossandon} Aquí los artistas visuales han querido reformular parte del lugar donde se intensifica su propia obra. Por esto era oportuno escuchar a Carlos Flores Delpino³con su teoría de los excéntricos y astutos⁴, e insertar el papel de la transcripción del cine chileno, de los últimos 10 años, en los procesos de creación. Flores Delpino no estaba solo, también formaba parte de esto Justo Pastor Mellado⁵ y Bernardo Guerrero⁶. Cada uno de ellos aportaba a la discusión desde sus propias trincheras. Justo Pastor Mellado, quien ha trabajado y analizado las escenas locales en varios lugares de Chile, tuvo que impregnarse con la singularidad de los creadores y su obra en un espacio baldío que ha desestructurado la misma filiación política de sus habitantes y de la misma institución que se encarga de promover y financiar el arte en Chile⁷. Por otro lado, Bernardo Guerrero ha hecho de sus investigaciones, recopilada en más de una veintena de libros sobre Iquique y su entorno, un archivo que simplifica los procesos de investigación y difusión para insertar una masa crítica que fecunde un accionar autónomo al documento ya sea histórico, sociológico, antropológico o etnográfico. Con esto, el factor archivo es fundamental para incrementar la difusión de las artes visuales y colaborar con proyectos de investigación que establezcan una continuidad de estos mismos procesos. ^{Serie "Esto es (algo) Común", Alex Tancara} Transcripcion_Local ha seducido como interpelación e investigación tanto a la obra (traducción) como a su análisis (interpretación) y específicamente ha poseído la facultad de no delimitar la creación artística, sino más bien invocar al artista para que construya su visualidad en torno a territorio y lugar. Pero, el territorio y lugar deben estar separados del accionar creativo y búsqueda del concepto general de obra de arte ya que sus dinámicas se establecen dentro de conectores que construyen y elaboran el arte contemporáneo en zonas donde las estructuras para su posible difusión no han estado presentes o, en un futuro cercano tampoco formarán parte de un discurso independiente. Es gravitante que los artistas identifiquen a través de una experiencia empírica cuál es el territorio y dónde esta el lugar. En este sentido, para concluir o no una transcripcion_local los artistas Alejandra Alarcón, Cristián Segura, Rodrigo Lobos, Alejandra Prieto, Nicolás Rupcich, Carlos Vargas, Cintia Clara Romero, Cristián Calderón, Pablo Forero, Raquel Schwartz, Luis Almendra, Italo Cossio, Fernando Ossandon, Cindy-Lia, Renato Calderón, Dagmara Wyskiel, Gianfranco Foschino, Milena Mollo, Gonzalo Cueto, Pedro Rodríguez, Jo Muñoz y Jorge Wittwer han condicionado sus propios procesos de investigación en torno al territorio con el lugar y al artista versus la obra. Por cierto, se ha convenido que su flagrante esquema de difusión provenga del sello mismo de sus ciudades de residencia. ^{Still "Sulfurico", Italo Cossio} Otro análisis que trae consigo Transcripcion_Local es la escasa proyección que poseen las acciones (exposiciones, obras, catálogos, etc) de artistas visuales en Santiago y en el resto del país. Al parecer, las estructuras que deberían difundir este ítem lentamente van asemejando las consideraciones que posee un arte estrictamente nacional y uno con ramificaciones de lo local. En este último punto, las regiones han cautivado, con su respectiva vertiente geográfica, una propuesta al desarrollo autónomo y ejecución de proyectos de artes visuales. En el caso de la región de Tarapacá la insipiente interconexión con los países que divulgan el sistema de zona franca (Perú, Bolivia, Argentina, Paraguay y Brasil) ha anexado el tema político-práctico de difusión de las artes visuales. Y así como Chile se inserta a un mercado con estos países, al mismo tiempo, difunde lo que realizan sus creadores, vinculándolos con sus homólogos extranjeros dentro de estas acciones de la trascripción. En resumen territorio, archivo e interconexión han fusionado un esquema curatorial que tiene entre sus desafíos difundir la creación artística nacional, establecer y coordinar archivos (llámese a espacios para la exhibición, documentación y difusión del arte contemporáneo) e incrementar las redes de apoyo con nuestros vecinos en cuanto a residencias, seminarios, editorialidad y exposiciones. ^{"Classic Air", Alejandra Prieto} Referencias: 1 Articulación, operatividad, circulación y contención. 2 Fundación Centro de Estudios de la Realidad del Norte. 3 Director y Académico de la Escuela de Cine de Chile en la Universidad de Chile. Además es Director de la Licenciatura en Cine Documental de la Universidad Academia de Humanismo Cristiano. 4 Flores Delpino, Carlos, Excéntricos y Astutos: influencia de la conciencia y uso progresivo de operaciones materiales en la calidad de cuatro películas chilenas realizadas entre el 2001 y el 2006. Colección Cine 5, Facultad de Artes de la Universidad de Chile. 5 Curador independiente y crítico de arte. 6 Sociólogo y Director de la Fundación Crear. 7 Con este punto quiero precisar la singularidad que posee la región de Tarapacá para desarrollar un fomento sustantivo del arte contemporáneo.

mas escritos

Exposición "Territori del Sud" Nova Milanese ITALIA

2010-10-23T16:06:00.000-07:00

Del 9 al 23 de Octubre 2010

Il Bice Bugatti Club, in occasione della Giornata del Contemporaneo, inaugura sabato 9 ottobre 2010 alle ore 11.00 in Villa Vertua (Via Garibaldi 1, Nova Milanese) la mostra “Territori del Sud” (9-23 ottobre) con alcune delle opere partecipanti alla Sezione Internazionale del Premio “Bice Bugatti – Giovanni Segantini” 2009 e 2010.

Prensa aquí
y aquí
y aquì

Feria de Arte Contemporáneo CH.aco Santiago CHILE

2010-10-03T14:49:00.000-07:00

GALERÍA KIOSKO EN CH.ACO

SANTIAGO CHILE

24 al 28 de Septiembre 2010

Roberto Unterladstaetter

Alejandra Alarcòn

Raquel Schwartz

Rodrigo Rada

Andres Bedoya

Roberto Valcarcel

Roberto Unterladstaetter, Alejandra Alarcòn, Raquel Schwartz,

Andres Bedoya, Rodrigo Rada, Roberto Valcarcel

Prensa DIA SIETE pàg. 59
aquì

Entrevista de Kahlo en Dadanoias

2010-09-15T07:53:00.001-07:00

KAHLO ENTREVISTA A

ALEJANDRA ALARCÓN, LA MÁS

ROJA

Posted by dadanoias on Martes, septiembre 14, 2010 · 7 Comments

Alejandra Alarcón es una de las artistas emergentes bolivianas más potentes del panorama actual, la Caperucita de nuestros días. De acento gore y mirada inocente, su obra nos remite a los cuentos que formaron todo nuestro imaginario infantil, tratando el tema de género y las relaciones humano/animales desde un punto de vista tan violento como reconciliador. Porque ella va más allá de los tópicos y, de acuerdo con Nietzsche, defiende la Barbarie como afirmación de la vida en su imaginario perverso. ¡Veamos qué sucede, sigámosla!

Aquí una pequeña sinospsis de su biografía:

“Alejandra Alarcón nació en la ciudad de Cochabamba, Bolivia, el 4 de Julio 1976. Actualmente vive y trabaja en México D.F. Hizo la licenciatura en sociología en la Universidad mayor de San Simón , también la licenciatura en artes plásticas en la Escuela Nacional de pintura escultura y grabado La Esmeralda (México D.F.).”

Te descubrí a través de la exposición que realizaste en La Galería Sicart de Barcelona titulada “Fagia”, un proyecto en el que primaba tu interés por el tema de la identidad femenina-masculina. ¿Cómo surgió este interés?

Es un tema que me interesaba desde que estudiaba sociología, lo fui profundizando después en el arte. Me interesa la identidad como un espacio de negociación, donde podemos ser de muchas formas, más allá de los roles, arquetipos, sexo, etc.

¿Conoces la teoría Queer? ¿Qué opinión tienes de ésta?

Sí la conozco, y coincido totalmente con sus postulados. De hecho, eso es justamente lo que me interesa trabajar desde el arte: la identidad como una construcción, un devenir. En mi serie “El Olor del Clan”, estas niñas pulpos (masculinas femeninas) van mutando o construyéndose diferentes formas de ser (ellas se visten con tentáculos, los cortan, cosen uno sólo, los guardan, etc.), ellas definen que de qué forma quieren ser. El límite entre lo femenino y masculino es cada vez mas difuso, creo q es algo que ocurre actualmente en la vida misma.

Creo en la autodesignación de la identidad, en el libre tránsito identitario, en el hecho de que además podamos ir cambiando en el tiempo, somos este devenir masculino femenino, animal humano, etc.

¿Hay algún(a) artista o teórico que te haya influenciado de manera destacada como creadora que eres?

Hay muchos (y por épocas), pero los siguientes son los que definitivamente han influido en mi forma de pensar:Camille Paglia (Sexual Personae, Vamps & tramps), Michel Onfray (Teoría del cuerpo enamorado),Morris Berman (Cuerpo y Espíritu), Fernando Mires (El malestar en la Barbarie), Christian Olivier (Los hijos de Yocasta), Baudrillard.

En tu imaginario artístico vemos la presencia animal, la del pulpo sobretodo, como algo bastante recurrente ¿Qué significado tiene este animal en la obra?

Me interesa profundamente la relación con lo animal como la naturaleza que aún tenemos, pese a toda la cultura. Lo femenino como este carácter demónico de la naturaleza ctónica.

Escogí al pulpo como motivo iconográfico por sus características: textura blanda, mojada, y su fisonomía que alude a los órganos sexuales femeninos (vagina – boca dentada) y masculino (tentáculos). Siento que con el pulpo podía hablar de lo materno castrador femenino y a la vez de lo sexual (femenino masculino).

Tu obra transpira erotismo, ¿cómo definirías este concepto en tu manera de ver el mundo?

Siento que el erotismo en mi obra es asexuado, trasciende los estereotipos femeninos masculinos, humano y animal.

Pienso que uno de los poderes de lo femenino radica en lo erótico .Creo en el poder de seducción femenino.

Las protagonistas de tus cuadros parecen heridas. ¿Consideras que los mitos y cuentos propios de la cultura occidental nos hacen daño al crecer?

En mi obra hay varias protagonistas, heridas y no heridas.

Las que trabajé en la serie de Caperucita la más roja y Cindirella Ending, para mí son heroínas: Caperucita mata al lobo y lo vuelve capita, la de la Princesa y el sapo se come al sapo o lo licua en vez de besarlo, Rapunzel se corta las trenzas para que nadie la rescate, o atrapa a su rescatador amordazándolo en la torre con su cabello. En estas series me interesa invertir, mezclar, yuxtaponer y recomponer la imagen femenina que es planteada en los cuentos y emulada en lo cotidiano inadvertidamente. Las “Caperucitas más rojas” son las que atraviesan el bosque sin miedo, son dueñas de sus instintos, de la naturaleza y sus peligros.

En la serie El Olor del Clan (la de los pulpos), sí están heridas, pero para reconstruirse; cortarse para coserse de otra forma. Se hieren, sin embargo, para ser como ellas quieren y no como les tocó ser. La herida, como un proceso de cambio, como parte de la vida. La cicatrización, el estar dispuesto a ser de otra manera, en piel.

Respecto al las narrativas propias de al cultura occidental y su lado moralizante, creo que hay roles que reproducen un imaginario, en el que las posibilidades de Ser son muy constreñidas. Los mitos son para definir quién es el bueno y quién es el malo. Pero en realidad nosotros somos tan lobos como humanos, tan buenos como malos, tan hombres como mujeres. Caperucita es el lobo y el lobo es Caperucita”. Creo que es necesario cuestionar estos discursos. Me interesa desmantelar la intención civilizatoria racionalista de estos cuentos; me interesa relativizar el bien y el mal, hacer que sus límites sean difusos, ambiguos, ambivalentes. Coincido con Nietzsche en su defensa de la Barbarie, ésta como afirmación de la vida.

Trabajas con acuarelas, una técnica muy suave a la que sin embargo tú le das un sentido muy violento. Creando casi una contradicción gráfica que a muchos nos llamará la atención. ¿Significa esto un acto de pérdida de inocencia o sin embargo quieres mantenerla?

Quiero mantenerla, la inocencia puede ser irreverentemente perversa. La inocencia como un estado no civilizado donde aún se puede decir toda la verdad sin disfrazarla.

¿Cuando estás creando escuchas música? Dinos cinco discos que escuches a menudo y de algún modo te hayan ayudado.

Son muchos pero estos son los de la banda sonora de ahora: Micah P. Hinson, Matt Elliott, Nick Drake,Emiliana, Torrini, Lhasa de la Sela, Andrew Bird, Vicky Leandros, Keren Ann, Lisa Hannigan,.Agnus and Julia Stone, Mirah.

Acabas de presentar una primera parte de AMORTE, tu nuevo trabajo. Una obra que, como bien nos cuentas en el blog, tiene que ver con el amor y el fin del amor. ¿Para tratar el tema te basas en experiencias propias o intentas basarte en historias universales?

Lo personal es universal. Parto de lo que yo siento, sin embargo, esto no necesariamente es una representación de mis experiencias. Creo que cuando lo trabajo, se vuelve universal en la medida que mi individualidad es universal.

Cuando trabajas sobre el tema de la pareja y su fin, te basas en la existencia de tres personajes ‘él, ella y el conejo’. ¿Qué significado tienen estos tres roles?

No hay un único significado, pero te puedo decir qué veo yo. Yo lo siento como si fueran cierto tipo de relaciones en las que, para mantener el equilibrio, los miembros se desequilibran. Ese conejo herido como los compromisos que hacemos por mantener el equilibrio, lo que dejamos de nosotros mismos para mantener un orden. Estos personajes logran un equilibrio con esta base, con esto que los une, lo que han dejado de sí mismos.

A menudo, los protagonistas de tus obras parecen fusionarse entre sí hasta llegar a una unidad ¿Qué sucede?

En la serie de Caperucita la más roja, ella devora al lobo. En la del sapo y la princesa, ella se come al sapo en vez de besarlo o lo licua. Quizás este devorar sí es violento. Ella es cada vez más el lobo y el lobo cada vez más caperucita. En esta relación se pierde la noción de devorador – devorado, victimizado – víctima. Ambos, en su relación de poder, alternan roles. De la misma manera, caperucita niña – inocencia /con el de mujer – voluptuosa, seductora.

En esta unión violenta o dolorosa me interesan también los fluidos como espacios de indefinición identitarios, lo dionisiaco, las sustancias intermedias que diluyen las fronteras del cuerpo, (quizás esto puede provocar temor a perdernos en el otro).

Es como si tus personajes se reinventasen a partir de lo aprendido. ¿Crees que esto es algo muy propio de las mujeres del siglo XXI o que ha sucedido siempre a lo largo de la historia?

Exacto, mis personajes se reinventan. Asumen todo este proceso en la piel. Eligen de qué manera quieren ser, aunque a veces esto implique cortar, coser, cicatrizar, y volver a cortar…… Yo creo que ha sucedido siempre.

¿Cuáles son tus cinco novelas o poemarios predilectos?

El lugar del cuerpo de Rodrigo Hasbún, Kafka en la orilla de Haruki Murakami, La invención de la soledad de Paul Auster, La Ingratitud de Ying Chen y Diarios de Jhon Cheever. (Son muchos más pero estos son los de ahora).

En la segunda parte de tu nuevo trabajo podemos ver ‘Stills’ de un vídeo en el que una mujer se lava las manos de sangre; toda una metáfora. ¿Al realizarlo lo concebiste como una performance?

En este video, quería denotar un momento muy íntimo en el que una mujer canta suavito una canción (su canción), mientras se lava las manos como un acto propio, de expiación, de acabar con algo para volver a empezar. Quería mostrar este momento de limpiar, insinuando que ella había matado algo, sin explicar bien qué o a quién. El video tiene dos versiones, una en la que se lava y queda limpia, y otra en la que se pone unos guantes de plástico encima de la sangre y lava los guantes. En esta segunda versión no hay canción, es este el acto frenético de tratar de limpiar – ocultar – no asumir algo que tiene dentro.

Este video performance, fue un acto psicomágico de limpiar algo para volver a empezar.

¿Podrías compartir con nosotros cinco películas que te hayan marcado como artista?

Intimidad de Patrice Chèreau, Pillow Book de Peter Greenaway, 2046 de Wong Kar Wai, Las memorias de Antonia y Santa Sangre de Alejandro Jodorowksy, La Doble vida de Verónica de Krzysztof Kieslowski, El marido de la peluquera, y por supuesto muchas más pero de estas me acuerdo ahora.

En tu obra audiovisual el Folklore y los tópicos femeninos representan la base del concepto de algunos de tus vídeos. ¿Crees que estos dos aspectos de la cultura siempre van ligados?

Sí, creo que estas expresiones (los cuentos infantiles, las telenovelas, los concursos de belleza, las películas, los comics, etc), están cargadas de valores. Son el imaginario a través del cual nos movemos; por eso que me interesa trabajar a partir de ellos, transmutarlos, resignificarlos.

Y para no acabar nunca esta entrevista me gustaría hacerlo bailando. ¿Qué canción ponemos Alejandra?

Leonard Cohen – Dance me to the end of love.mp3

texto original

aquì

ARTE LUMEN Video Arte

2010-09-07T06:39:00.000-07:00

PRENSA El Deber

AMORTE

2010-08-04T22:07:00.000-07:00

Prensa El Deber Brujula

El Deber Escenas

Conejito por Leon Polar

GARMONBOZIA

2010-06-15T12:47:00.001-07:00

GARMONBOZIA

Inauguración 25 de Junio

Guanajuato 239 Colonia Roma

Mèxico D.F

Floria Gonzàlez Amrita

Alejandra Alarcòn En Silencio

Gustavo Abascal Of wisdom and assholes

Jorge Hauss Cosmic Epiphany

Fabricio Tomè

Carlos Perez Bucio Gran Vida

EXPOSICIÓN COLECTIVA EN ¨EL ESTUDIO¨: ALEJANDRA ALARCÓN, GUSTAVO ABASCAL, LUIS E. AGUILAR, FLORIA GONZÁLEZ. JORGE HAUSS, ALBERTO LOPÉZ, ADRIANA MEDINA,CARLOS PEREZ BUCIO Y FABRICIO TOMÉ

Caperucita la más roja

DE TOT COR

LO QUE QUEDA DEL DÍA A DÍA

JUST MAD

Muy pronto...

Niterói Encontro com a América do Sul

Dime que me quieres aunque sea verdad.

Pantocrátor gallery / Shanghai

Women's lines

Lore Vanelslande (Belgium - China)

Sonia Carballo "Socatoba" (Spain)

Carmen Garcia Huerta (Spain)

Stephanie Costello (New York)

Patsy McArthur (Scotland)

Freya Douglas-Morris (UK)

Marta Blasco (Spain)

Alejandra Alarcón (Bolivia)

Libro Vacaciones Permanentes Liliana Colanzi

Feria de Arte Contemporàneo Ch.ACO Santiago CHILE

Museo Nacional de Arte la Acuarela en Bolivia

Proyecciones del cuerpo femenino.

Centro de Arte Contemporáneo

Quito Ecuador

Casa Descalza

Taller de Video Arte en Ponta Delgada Portugal

Feria de Arte Contemporàneo Santander

Presentación del libro

Exposicion Domèstico Centro Simon I Patiño Santa Cruz

Artìculo de Menene Gras en ART.ES

Galería Sicart en PINTA Londres 2011

Galeria SICART en SWAB Barcelona 2011

El Porta (L) voz

Alejandra Alarcón

Príncipe en licuadora

Love Story I

Lobo

*El autor tiene estudios en industrias culturales y desarrollo local.

arte BA

20ª edición de Arte Buenos Aires www.arteba.org

ARTURO AGUIAR

ALEJANDRA ALARCÓN

LLUÍS BARBA

CRISTINA CALDERÓN & JOSÉ LUIS PAULETE

NICOLA COSTANTINO

MARTA ESPINACH

PATRICIO GIL FLOOD

FERNANDO NAVARRO VEJO

LIDÓ RICO

PAULINA SILVA HAUYÓN

PAULA TOTO BLAKE

GABRIEL VALANSI

GALERIA SICARTCarrer de la Font, 4408720 VILAFRANCA DEL PENEDÈS (Barcelona)tel. +34 93 818 03 65 cel.+34 629 23 75 60fax +34 977 678 067galeriasicart@galeriasicart.comgaleriasicart.comFacebook: Galeria Sicart

Entrevista de Alba Balderrama

Entrevista a Alejandra Alarcón

la distancia adecuada

DOMÈSTICO

Revista de Fotografía Sueño de la Razòn

CUADRO

MIAMICITO

News

Disco

Entrevista en El Escaparate

ART CRUZ

Fuegos ARTE - FICIALES

Lo mas profundo... ¿LA PIEL? en Santa Cruz, La Paz y Cochabamba

Transcripciòn Local

Exposición "Territori del Sud" Nova Milanese ITALIA

Feria de Arte Contemporáneo CH.aco Santiago CHILE

Entrevista de Kahlo en Dadanoias

KAHLO ENTREVISTA A

ALEJANDRA ALARCÓN, LA MÁS

ROJA

Leonard Cohen – Dance me to the end of love.mp3

ARTE LUMEN Video Arte

AMORTE

GARMONBOZIA

GALERIA SICART

Carrer de la Font, 44
08720 VILAFRANCA DEL PENEDÈS (Barcelona)
tel. +34 93 818 03 65 cel.+34 629 23 75 60
fax +34 977 678 067
galeriasicart@galeriasicart.com
galeriasicart.com
Facebook: Galeria Sicart